新興單廳電影院-英倫幻燈學院

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倫敦近幾年紛紛出現了小型單廳的酒吧戲院。這樣的小戲院不只是分佈在 Shoreditch 藝術氛圍強烈的東倫敦,也不只出沒在「新興藝術區」的 Camberwell,倫敦市中心的 King’s Cross王十字中央車站也有這樣的電影院據點。

其中關鍵原因,以空間設計而言,這些小型單廳酒吧戲院傳承了英國對於酒吧做為社交重心的文化,因此在這邊你想要有廉價的爆米花與可樂搭配組合,你還是去 Odeon(英國最大連鎖電影院)吧。另一原因,散落在倫敦各地的獨立戲院,走過歷史的百年戲院多半都受到英國政府 Lottory等單位的補助,而對於新興戲院,政府也接受新提案做輔導與補助。

位在東倫敦 London Field 的 London Institute of Light(幻燈學院)是近年來倫敦新興電影院的典型例子,她除了滿足英國人兩千年來對品酒的高度要求(當然了,酒吧的存在不僅是因為古老時期歐洲人的飲品僅有酒與咖啡,更是當地人社交的主要場所),也將黑膠唱片、藝術型電影、地中海料理,所謂的吃喝玩樂全部濃縮到這間單廳電影院。

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2016 新開張的幻燈學院,從 London Field 出口右轉,步行 5 分鐘就抵達了後門,下午身為放映廳的屏幕背板開著,學院內收藏的黑膠唱片一箱箱陳列開來,成了每天臨時性的午後黑膠爵士樂市集。2016 年也是黑膠唱片閃爍發光的一年,在數位音樂下載與 Ipod 倏地流行全球,卡帶、CD、黑膠唱片逐漸沒落,不過歐洲仍隨處可見獨立古典唱片行、二手舊市集、現代音樂專賣店還是販售黑膠唱片至今,讓對對音質有高度要求的樂迷,還是有機會購買這種大大的,可觸碰的,美麗的黑膠唱片。

2016 年也是黑膠唱片閃爍發光的一年。自從數位音樂下載與 Ipod 倏地流行攻陷全球,卡帶、CD、黑膠唱片逐漸沒落,不過歐洲仍隨處可見獨立古典唱片行、二手舊市集、現代音樂專賣店還是販售黑膠唱片至今,讓對對音質有高度要求的樂迷,還是有機會購買這種大大的,可觸碰的,美麗的黑膠唱片。加上,2016有許多元老級的歌手星星殞落,他們都有出黑膠唱片版本,如David Bowie的 BlackStar,甚至,黑膠也已成為,高級的贈禮選項之一。另外,古老城市的現代消費者,對vintage(古典、懷舊、早期)的物品情有獨鍾,反而,現在有許多現代極簡風格的 Timer 紛紛被設計出來,以滿足現有市場對黑膠唱片的需求。

幻燈學院的空間很簡單,一邊是沒有典型的戲院彈跳椅,而是沙發椅觀眾席的放映室,另一邊就是社交區,有吧檯、廚房、餐廳與黑膠唱片封面展示區。建築是石磚砌成的圓拱地窖,就在overground 的下方,很有歷史時代感。

在倫敦有許多受到政府資助的獨立戲院,也播映藝術電影與國家音樂廳現場轉播,不過這邊的選片策略沒有這一項目。單憑選片想要做出市場區隔或許還不夠,幻燈學院有書籍的選納,也還沒有明顯的被展示出來,若是想偶爾依靠舉辦活動,或出租場地收取租金過活,對電影院高度藝術的標竿恐怕會有動搖的可能,期待她為來的發展。

在數位時代,人人可免費下載電影的媒體環境,要經營一間實體電影院相當不易,不過英國人對社交的需求,以及視覺藝術作品需要舞台的事實,我們感激電影院的出資者以及愛做夢的人,讓現代城市還有新興的獨立電影院可以逛逛,讓我們能呼吸充滿藝文的空氣。

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以及即將舉辦的動畫放映:

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《酷瓜》動畫展- 動畫影壇之手工動畫逆勢回歸

動畫是電影類型裡,最貼近人類原始創造力的一種方式,是電影界裡的手工業。動畫從最初的古老洞穴壁畫開始,演變到科技時代的電影3D後製、VFX影像等,讓一堆創作者轉為科技為導向,似乎忽略了創作手法與劇本情節相對的關聯性,有時也略過了展現氛圍情緒的選擇性。

動畫電影在影壇這兩年來勢洶洶,又2017年是日本動畫的100週年,各大電影博物館紛紛邀請動畫入主策展,如法國電影博物館(Cinematheque(La Cinematheque Francaise Musee Du Cinema))在日本電影展覽也囊括了日本動畫;SouthBank Centre 姆咪展(Adventures in Moonminland)、當代美術館Tate舉辦的獨立美國實驗動畫(Independent Frames: American Experimental Animation in the 1970s + 1980s)等,動畫的展現以策展的形式出現,更可能比一般影廳上映還要更豐富。

2016年英國倫敦電影節60年來第一次在四大競選提名中,都出現了動畫片,更特別關注日本新海誠導演《你的名字》(Your Name,2016,新海誠),和瑞法合製的停格動畫《我的酷瓜人生》(2016),2017年春季,英國週末票房在兒童節那週,英國推出了《佩佩豬電影》(Peppa Pig: My First  Cinema Experience, 2017)在英國上映,英國就在兒童節前後的週末票房,以《寶貝老闆》(The Boss Baby, 2017)、《藍色小精靈:失落的藍藍村》(Smurfs: The Lost Village, 2017)、以迪士尼為基準翻拍的《美女與野獸》(Beauty and the Beast, 2017)和美國以真人翻拍日本動畫《機殼特攻隊》(Ghost In the Shell, 2017)等作品攻下週末票房名列前茅第位,不難嗅出英歐電影市場對動畫上映的嘗試,以及策展動畫的喜愛。

法國里昂的電影袖珍博物館(Musée Miniature et Cinéma)是一間被國際教科文組織(NUESCO)列為16世紀的歷史建築,2017年春季裡面特別限時展出《我的酷瓜人生》主題,其中人偶設計和場景空間的佈展相當細緻,在此與大家分享。

提著一籠燈照進每個小心房,

才發現這裡面藏著滿滿的期待,

渴望被愛。

《我的酷瓜人生》(Ma Vie de Courgette, 2016)由瑞士籍導演Claude Barras改編童書”Autobiographie d’une Courgette”(2002, Gilles Paris),以停格動畫的方式編製拍攝成瑞士與法國合製的動畫電影,於2016年法國Annecy國際動畫電影節獲得最受觀影人青睞獎(Audience Award)、水晶最佳長片獎(Cristal Award for Best Feature)、Cannes影展之金攝影獎、歐洲電影獎之最佳動畫電影獎、金球獎之最佳動畫長片獎、東京動畫獎之電影首獎等國際級榮譽。

這部關於育幼院小朋友的故事,以孩童天真的視線,目睹大人不光明的世界與家庭關係的溫馨作品,相當細膩地描繪孩童孤寂的情緒、假裝堅強的模樣、默默接受事實失落的表情,Q版小朋友們臉上大大閃閃發光的雙眼陰著濃厚的憂鬱:有的小朋友排斥跟媽媽回家,有的小朋友一聽到有疑似家長來訪的聲音,就滿懷期待的跑去門口看是不是媽媽來接她,有的小朋友卻連這種可以期盼的機會都沒有。是一部充滿令人揪心情節的電影。

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里昂文化鬧區的電影袖珍博物館門口,貼著當時正展出的《我的酷瓜人生》海報,和蜘蛛人模型並列。

酷瓜本尊登場 電影原著現身

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酷瓜本人!與警察先生跟他暗戀的女生!親眼目睹了人偶主角,有種看到電影明星的感覺!每個場景旁邊都有使用Ipad提供相對應場景的電影片段。

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上圖是導演Clude最初版的手繪分鏡,以及被電影改編的童書原著出版品。

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最令人心醉神迷小朋友臉上豐富的表情更換設定組,對於情緒表達極為重要。這些人物是由3D列印製作出人頭、嘴巴組、眉毛組和不同的眼睛,劇組透過電腦計算記錄演員表達的台詞聲音,讓動畫師以此設計出不同的嘴巴,並依照情境表達,組合成合適的情緒樣貌,眼睛也可以手動換掉的,後腦勺是可以打開的。

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偶動畫人物設計比例圖。大人、小孩的身形比例以及人物身體關節支架。身體小小的,手長長的,片中人物偷偷的牽手、放風箏,長長的手讓這些舉動更有戲劇性地訴說情緒的走向。在電影中,會看到小朋友們坐在地板,雙手長長的一段攤在地上的模樣,有種無辜可愛感。

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《我的酷瓜人生》在場景製作上極為講究,包含教師辦公室裡精細的魚骨地板拼接、美麗至極的雪景和光影的投射等,大家在觀影時可以好好享受這所謂動畫是手工藝的呈現之說。

博物館策展空間氛圍 燈光營造電影感

燈光是創造氛圍的主宰,是撥動情緒瀰漫空間之中的存在。

以特效、模型、科幻人物、袖珍場景為主題的Musee Miniature et Cinema館內有19世紀70年代到90年代紅遍全球的國際性電影共同記憶,包括《異形》(Alien, 1979)中的異形女王、《侏儸紀公園》(Jurassic Park, 1993)的三角龍、《摩登大聖》(The Mask, 1994)的面具,還有近年讓英國演員班維蕭(Ben Whishaw)闖出名號的電影《香水》(Perfume: The Story of a Murderer, 2006)場景,美國英雄主義類電影的超人型角色等等,都在這邊以本尊展示,此外,在本館最高樓層亦收藏許多袖珍場景藝術作品,有迷你型的肉販、迷你房間角落、迷你恐龍博物館等,全部都是等比例製做展出。因此館方對於展示作品的「空間感」、「原真重現」與「燈光」運用,都具有相當專業細膩的考量,讓參訪者感受到他們此的重視與用心。

上圖就是一個精美的例子,館方善用光線的照射與角度、光束強烈性、光之色溫和感光範圍,讓展品氛圍與電影情緒傳遞一致性,亦能體現電影感,同時訴說拍攝電影時,拍片團隊在故事設定的時間與空間性,這個部分在等比袖珍區更有強烈的感受。

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這個袖珍作品實際上只有我的小手更小的大小,其室內、走廊、室外的光線、調性都不一,可以感受到空間作為人性暖色的起居、戶外陽光普照的日光,和廊道微弱燈光的空間轉折。

燈光相對於電影情節、人物設定、剪輯手法與導演思維,在影視作品並不是經常被討論的重點,又加上現今電腦計算的進步,畫面顏色常常會透過後製調色,因此一般觀眾對於真實空間的燈光比較沒有投注過多的關注,然而Musee et Mininature對此特別強調出來,這是我很喜歡Musee Miniature et cinema的主因之一。

館方對於他們所展示的物件-「電影」場景的人物有高度認知,因此對於如何展示「故事性」、如何傳達電影情節的情緒,以及空間感,館內在燈光與音效都有特別設計:館內共有八間房間,各分類為不同電影主題,並在主題房間設定不同燈光、動線和音效,讓我在逛展時,有種「明知展示品是假的,但怕牠會突然動起來」的恐懼,以至於我沒有走進鬼怪屍體區跟異形房,膽小者記得要約伴去。

電影製作素材選擇 成就影片情緒表達

停格動畫在電腦動畫潮流中,仍占有重要地位。2015年至2017年,全球動畫產業仍層出不窮地展現傳統動畫製作方式的動畫長片:樂高玩電影(The Lego Movie, 2014, Phil Lord & Christopher Miller),美國以停格動畫描繪成人世界人際關係疏離的《艾諾瑪麗莎》(Anomalisa, 2015, Duke Johnson & Charlie Kaufman)、英國最大動畫工作室之一Aardman以停格動畫為根基出了許多鉅作,如笑笑羊系列、《酷寶:魔弦傳說》(Kubo and the Two Strings, 2016, Travis Knight)停格電影 等,可見偶動畫不只受製片團隊愛戴,也受觀眾喜愛。

如果動畫製作僅能粗略的分為兩大類,那美國就是以罐頭產業為主軸,向數位科技過於傾倒的娛樂事業,而歐陸亞洲則以劇本概念為先,並擇適合創作方式創作。

迪士尼這幾年原創不再,不斷的延續公主系列、拍攝原創動畫續集,如美女與野獸(Beauty and the Beast, 2017), 仙履奇緣(Cinderella, 2015),或拍攝迪士尼公主系列真人電影的番外篇,如《黑魔女:沉睡魔咒》(Maleficent, 2014)、魔法黑森林(Into the Wood, 2015),好萊塢2017年上映日本《功殼機動隊》(Ghost In The Shell, 2017)翻拍的美國版本,這樣的製片策畫多半僅能延續電影第一集的票房,難以吸引新客群。

電影最終得回歸到故事本質為核心-劇本原創性,電影的表達方式是否與劇本情節有一致性,也是作品成功與否的關鍵所在,選對了創作素材,影片的情緒也成就了一大半。今年出現了英國與波瀾合製的Loving Vincent(2017),以梵谷油畫風格為手繪製作動畫的方式,描繪荷蘭畫家梵谷神秘的生與死,就是一個絕佳的例子。

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最後附上一張,酷瓜與好朋友席地而坐聊天,把長長的手攤在地上的展示場景。

動畫是人類直覺性的創作方式,就像小朋友拿到筆喜歡到處塗鴉,也玩洋娃娃與汽車模型想像它們有生命。電影讓我們實現幻想,電影博物館保存那些幻想中的主角,《酷瓜人生》讓我們在小朋友的眼界看見希望,我們都需要幻想,因此我們需要電影與動畫。

法國里昂電影袖珍博物館Musée Miniature et Cinéma

《酷瓜人生》展期為2016年10月7日至2017年4月2日

地址:”Maison des Avocats”
60, rue Saint Jean

69005 Lyon – FR

 

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參考資料

Musee Miniature et Cinema http://www.museeminiatureetcinema.fr/accueil_eng.html

2017 Oscar Nominations: Animated Feature, Animated Short, VFX(24Jan, 2017)

http://www.cartoonbrew.com/awards/2017-oscar-nominations-animated-feature-animated-short-vfx-147946.html

My Life As A Couregette Wikipedia

https://en.wikipedia.org/wiki/My_Life_as_a_Courgette

http://culturebox.francetvinfo.fr/cinema/animation-jeunesse/les-secrets-de-fabrication-de-ma-vie-de-courgette-247189

治癒憂鬱歸鄉之旅-台南到黎明

7月20日,周四午間醒來,心理壓力的疲憊仍覺倦怠,於是仗著隔天南藝動畫美學特映為由,臨時決定提早一天前往台南。這樣既可悠閒散步於古城巷間,隔日又可觀賞動畫漫遊市區,周末返回台中儲備精力,好參與7月23日園長一日紀錄片影展。完美計畫!

 

兒少影展之拍手好累-台灣動畫 深則深 美真美

台南市音像文化發展協會和台南市政府文化局一同主辦的「臺灣國際兒童暨青少年影展」(International Film Festival for Kids and Youth)是號稱產官學合作的影展。這或許是我見過第一個影展名稱以對象為題,一般幾乎都以選片主題為名,算是神奇的影展名稱。根據影展節目簡介,九成是動畫論壇與放映,導致我原先當作是動畫影展,事實上策展收納了紀錄片。

南藝特映場精選許多相當出色的作品,我個人印象特深的兩作品:劉冠汶導演以「空間」作為敘事主體的《About Time》,以絕佳2D手繪表現方式將空的空間,透過色調、聲音、重複的改變陳訴童年記憶;令人驚豔的水墨動畫《鄉蟲》描繪父母對子女以愛之名的學業壓迫,極為震撼地表現了小孩因違反父母期待而遭受的冷漠暴力。

以不同觀點對世界關懷的一連串驚奇連連創作映演,令人好奇南藝如何精選這些最近6、7年光譜間的動畫短片。雖然影展節目明顯意圖培育兒少去接觸、賞析、思考甚至動手執行藝術創作,然而南藝作品概念性的、實驗性的、批判性的、回憶式的、對社會回應的視覺美學嘗試性的表現,作為影展主要對象的兒童能夠理解嗎?現場沒看到幾個青少,倒是有小朋友一班一班的被領進放映廳。

坐在我身旁的媽媽整場滑手機,那手機的光,整場亮著,在影廳裡特別刺眼。她兒子在觀影過程不時對媽媽說:「(不懂劇情)怎麼會這樣」、「我想回家」,想當然耳,兒童能夠理解的高度恐怕跟這場精選輯所表現與探討的維度差距甚遠,媽媽的手機與手使終沒停過,只聽到她回:「專心看,不然回家不會寫功課」。我才知道看動畫變成了回家作業。映後QA前,觀眾瞬間跑了一大票,就好像一看完電影,工作人員字幕還沒開始Roll,就飛奔離開影廳。QA也沒人有興趣發問,就這樣結束了特映會。

南藝發行的《藝術觀點ACT》明明有動畫專輯(最新一期的專刊也在談動畫),很可惜沒有在現場展示販售,原本想說幸運的話可以在現場購買,就不用付運費了XD

周五的放映到此結束,再來是開幕(!?)我才發現這次影展有「預展」,也算是新學到的概念。

開幕請到豫劇團的變臉秀,表演穿插與外賓互動,我第一次現場看這種傳說中的中國文化演出,甚是感動。然後是一一介紹本影展幕後功臣,真的是一 一 介 紹,彷彿每個人都要競選民意代表般,一 一 唱 名,起 身 揮 手,全 場 拍 拍 手,這永無止盡的名單與鼓掌,拍手拍到我都餓了,於是就這樣,工作人員Roll到一半我就落跑了。

我是相當感謝諸位的努力才有今日影展成行,事到如今我一個名字也記不起來,我只記得賴神老師和南藝的新銳導演們,因為他們對我而言才有意義。

 

按圖索驥的府城徒步之旅-我只好說我是台中人

對於一個身分證字號R開頭的我來說,沒有好好認識台南實在是件說不過去的事。以前跟家人出門大概就是跟團的步調,甚至還要更緊張,而且坐在車裡對台南的方位永遠只有往前直走,如果說這是去過一個城市,也是打卡收工的程度而已。

認真來說這一趟是真的「回」台南,府城舊街區巷弄也很值得徒步穿梭,旅行不怕迷路,誰知道會不會柳暗花明又一村呢。

現正使用按鍵式手機,正好可以免除與Google為伍的旅行方式,也不會有人在現場卻有精神的不在場證明。這兩天住了兩間旅社,第一間竟然沒附地圖給旅客!我只好在旅舍還能使用Wifi時找地點,手繪地圖跟路徑方向,拿著我的地圖記事本陪我旅行。第二天終於拿到地圖的瞬間,心裡澎湃感動難以言喻,於是乎,除了我的地圖紀事,還多了附上古蹟插圖的地圖,雖然一路上為了找方位常常出錯,不過這一天沒有手機、沒忙著拍照打卡、沒盯著螢幕錄影,沒了這些「虛」的干擾,反而感覺更實在的存在於城市之中,認真的漫步感受台南夏季的熱度,用眼睛細讀赤崁樓的歷史、迷路就問人順便寒暄個兩句、四處溜進窄巷看看有沒有隱藏版的美景,好不愜意。

 

文創化的臺南-歐風日式誠品化

素向崇尚「除舊布新」的民族性,內心有追求一切「尚新」焦慮的台灣人,什麼時候領悟到適可而止呢?」(2011,雷驤)

我無法判別台南改變多少,對我而言,這次才真正試圖觀看府城。

古蹟與老房子確實保存許多,花了2到3小時細讀完赤崁樓後,一路沿著海安藝術街溜搭,原先的藍晒圖不見了,還是有許多巨型壁畫,只是那些現代創作,台南在地文化在哪我讀不出來,只見許多最近流行的日式攤販/居酒屋/燒烤、到哪裡都長得八九不離十的文青咖啡館和創意料理與酒吧。連大名鼎鼎古蹟林百貨也可以很誠品,我有點失望。當台灣在炒文創,一切都跟風誠品化或變身文青掛,台灣的文化以創意之名扁平掉了。除了置身古蹟與巷弄,我若真的拍照打卡,要說我在台北或高雄,也不會有人懷疑。

台灣奮力掏空自己,一直慌慌張張隨便拿什麼填補那早已裂痕龜裂的地基,整體崩盤只是早晚的事。所謂誠品化的台灣,以現下流行超潮的文青表象,暫時支撐了隨時崩垮的老屋,如果這些被稀釋的文化變成未來世代的童年回憶,台灣就真的什麼也不剩了。

 

命中注定的相遇-府城 黎明 世界拼圖

第二天在旅社吃宵夜,巧遇兩名超酷旅人,他們旅行行經的路徑,剛好可以拼成世界六大洲。那短短的宵夜談天,大家生活方式大相逕庭卻能夠彼此聆聽理解,台南的這一天,遇見人情味的背包客棧老闆、南藝動畫觀賞與導演對話、閒晃台南市區看見藝術介入空間藍晒圖、與旅人對話。這趟歸途,幾乎治癒了我的憂鬱,暫停每日落淚的習慣。

周日午間趕回台中,參加黎明幼兒園園長的紀錄片影展。

事實上我對黎明幾乎沒印象,只知道那是我台中第一個住區。

抵達時重要的紀錄片播完了!悔恨啊!啊~!以至於映後座談我只能用想像的猜紀錄片內容,奇妙的是我還是能聽懂映後分享。

井迎瑞教授提到林金連園長當初報考紀錄所,卻沒有上榜,這讓我坐在觀眾席一身汗,我是當初考上卻沒有去受教的那個無緣的學生。

井迎瑞教授長期聚焦在文化紀錄保存與修復上,這次幼兒園面臨拆遷,井迎瑞教授願意暫時照顧園長的紀錄片帶子、古董級攝影器材與剪及早期線性設備等,確定這些寶藏在緊急拆除破遷之時,能有安身之處。園長他說這十個年頭都在與政府力爭保留幼兒園,再也沒有多餘的力氣好好剪片、拍紀錄片,雖然影像的紀錄已交付,但他畢生奉獻在紀錄片與教學上,他對影視無敵龐大的熱忱,一部分化為上萬張投影片、5000支紀錄毛帶、紀錄片和教學節目,如今無法將一直以來努力的精神心血留在身邊,園長的眼淚與沉默,盡在不言中。

就在園長為幼兒園保存對抗的十年間,我離開台中去學習影視製作、思索「空間」對影視對人對社會對文化的脈絡意義、旅英歐四處觀影策展,最終回到台中黎明,這算不算命中注定我這一路的學習要為某個空間而貢獻己力呢。

園長沒錄取南藝,南藝如今卻救了園長。我當初沒去南藝報到,如今卻想幫南藝的影視作品策展。是不是學生也不那麼重要了。

園長影展日我還是觀賞到了園長的作品:記錄已失傳的傳統燒木炭技術,並以兒童節目的方式呈現。當那些真正台灣文化、老祖宗智慧流傳下來的無形資產已消滅,政府想要順便摧毀幼兒園附有導播室的空間,同時扶植文創文青咖啡館與隨便一個什麼的文化,這是我們的島嶼嗎?還是早就沒有我們存在了。

如果今天幼兒園變身為文青咖啡廳,或許生意興隆,但是那已不再是原初的幼兒園了。這個轉變等同於毀滅,就像林百貨,早已不是林百貨了。

 

後記:

原訂計畫是周六回台中跑別的行程,或是再去台南孔廟周邊晃晃,結果周末一早被爸爸抓回家,不過多了機會見見外婆跟小舅舅,也是美妙的悠閒。

我思動畫策展

7月27日,週四,在台北金車文教舉辦的動畫聯展-【動映画製造所】,主要連結了南藝小亂談北藝動畫操人2016年的作品。全展免費。策展人以文字解釋了,這個展沒有特定主題,就是收錄了以台灣三間藝術大學為主的動畫短片。

現場有展示動畫家的分鏡、手稿、模型跟所有動畫的理念。一共兩場動畫播映,總長至少超過三小時(相當累人,現場睡的睡,提早走的走),收錄了Paranoma全景觀的作品。其中一個播映選集偏於創作概念的呈現,另一個則多了給小朋友看的卡通感,跟宣導短片的動畫廣告。

即便這次沒有特定選片,但仍可清晰閱讀出,這一代創作者的情緒、音感、概念,甚至可以猜測性的推想台灣動畫教學的狀態。

著重於情緒的鋼琴音樂抒情裡

觀後感是,這一批台灣的動畫學生對創作發想,多半聚集在自我的感受、情感的描述,處理情緒的表現很雷同,其不安、暴力、悲傷,都能以沉靜而緩和的手法呈現,最常出現的音樂就是鋼琴,緩慢地、輕柔地、單音節的襯托畫面意境,這樣的作品占了至少50%,以至於整場看下來有種催人安眠的感覺,如果突然插入一個歡樂幽默的小品,的確會讓人精神為之一振,這就是為什麼受青睞的作品,都存有活潑趣味性。這單元的動畫專輯,是給青少年以上的觀眾看的,更精確的說,是給有足夠美學素養的成年女性看的,或是成熟且心思細膩的人看的。

有些作品在畫面的精緻度處理得相當完整,如卓霈欣導演的《Ego》,就呈現高度的手繪技巧,視覺上如詩如插畫般唯美;陳昱伶導演的《森林秘境》在魔幻性的創作上展現了詭譎的美感;再次觀看劉冠汶導演的《About Time》,短片中段令人感到鬼魅般的恐懼與猜測,若能透過視覺的重複、顏色與聲音的應用掌握觀眾情緒,再更深入的詮釋不安感,會是國際上難得一見的獨特創作;《門》設計創造了震懾視覺的門塔,還有許多佳作,看的同時,也讓我連想到其他有關連的作品,文末會提。

總體而言,台灣的作品雖然多半陳述自我卻比較看不出導演個人風格,在敘事結構上比創作概念性薄弱。台灣有個危機是,教育與文化難以培養美學素養以及強烈的自我風格,如今觀眾除了看故事、看敘事表現,更想要聽到創作者的音韻腔調、個人特色,相對而言畫面呈現的技巧高不高超,已沒那麼重要,如果不是邊看邊做筆記,我能記起來的作品恐怕寥寥無幾。

有些創作力圖「如何表現概念/自我」而過於著墨視覺感官,以至於頻率對不上的觀眾無法接收訊號,看不懂的人就多了,於是變成「不解釋,看不懂」作為策展的緣由,以一張整面牆的大型海報一一解釋每個作品的思維。然而,策展是為了一個一個解釋嗎?我以為策展更要理出一個脈絡,將作品放置其中,以詮釋、烘托藝術作品,否則作品之間毫無關聯,觀眾不如線上搜尋作品,有興趣的一個一個點出來看就好了,還累得我們像評審似的從頭看到尾。

現場沒有動畫展的簡易名單,沒有問卷,唯一的酷卡上面沒有重要的提供作品的協辦單位名稱。展場小提琴的古典樂,在影片放映的整個過程大過影片的聲量,相當干擾,觀影中硬體設備也頻頻出狀況。看到第二場,我與另一位觀影人再也無法看下去,於是提早回家了。

我們以為的動畫是什麼?

這兩周我特別關注台灣動畫的展覽與影展,發現動畫還真是無處不在,7月底與香港合辦的台灣動畫盃(TaiwanAniCup)、府中15常態性的動畫展覽與放映、這次的金車文教、上周台南青少年暨兒童影展、台中於年底將舉辦動畫影展,以及位於台中的國家公共資訊圖書館也有動畫的靜態展。各地政府與藝術單位看似積極推廣,民眾還是認為動畫等於卡通,不是想到迪士尼皮克斯,就是宮崎駿。當然這並非立竿見影的投資,尤其是美學培育上,本非一蹴可幾,但逛了這些大型展演,策畫與現場觀眾之間難以對話是一個重要的問題,這不是現場請到導演開放提問就算對話,事實上許多人是根本看不懂,也不打算發問。

策展的價值?

策展需要考量的範圍太廣泛,這邊簡短談談,參觀影展/展覽對一般觀眾的價值。

當我們活在數位世界,要人們大老遠跑到現場觀看一部電影都難了,何況是一部5、6分鐘接連出來長達三四個小時動畫錦集呢?策展要讓觀眾獲得什麼?

最有價值的莫過於那些網路永遠找不到作品的動畫,所以影展握有「絕對」單一性的播映權;再者是網路必須付費才能觀賞的作品,我曾看過一部超級幽默、邏輯超易懂的停格動畫,原本想等他們上傳到網路一定要再點來看看,分享給大家,卻發現這五分鐘的影片要付費,也算是喜事一樁,因為相對而言在影展看是非常值得的投資。

再來就是還正在影展巡迴的影片,這基本上說明了它現階段在網路是找不到的,也是最新的創作。最不負責任的影展就是沒主題、沒脈絡、沒規格、沒有適切的觀影空間,那些影片在網路也都還能找得到,看到這種展,我只能說他們在浪費空間、浪費人們時間,並且毫不尊重影片與參觀的人們。我們的時間寶貴啊!

一般觀眾要看的是新鮮愉悅的、訴說社會心聲的、看得懂且值得推薦的,所以選片作為圍繞策展主題最最基本的核心,一定要好好選。好好選啊!

 

後記:

觀影過程我想到一些個人風格極為強烈的作品,大家可以看看:

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關於情感的描述

雷磊,中國,以拼貼手法與中文文字作為表現主軸。說詩音樂動畫。

《這不是一個可以說謊的時刻》https://vimeo.com/93575669

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表現手法(有幾部畫風很像,讓我想到這部)

Seoro Oh,韓國,單純在表達下午的課超難熬啊!!!

(當時全場歡聲雷動,因為終於看到幽默作品了)

https://vimeo.com/215498188

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關於頭髮與詭異感

Virginia,義大利,黑白素描

https://vimeo.com/123079512

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關於音樂性

Irina,英國,雖然是音樂錄影帶本身就具有音樂性,但其動感令人百看不厭!

其物件的動態變換,是最能表現動畫的特點,這部MV有運鏡、變化、音樂性、留給觀眾幻想,以及驚奇連連的換場。

https://vimeo.com/12428605

另外鬼魅般的MV有這部我很喜歡,實景與手繪寫實動畫轉換,好似動畫中的Asap Rocky才是真實身分。

https://www.youtube.com/watch?v=oshbQnXLeP8

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關於燈塔

只是因為燈塔,讓我連想到這部獲獎無數創作長達數年的作品。

https://vimeo.com/193851364

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神作The Bigger Picture

英國BATFA動畫獎,實景牆上作畫的停格動畫!

https://vimeo.com/203126235

還有很多發癲的作品,讓人看得心跳加速,不能自己,生命又再一次的活了起來的震撼!

但是太多啦,如果我真的要再放映,大家就可以看得到啦~

 

以上作品部分收錄在之前辦的動畫放映裡,現正接洽更多的台灣作品!

關於策展的言論,是我希望能夠與大家討教的方式之一,期待有人回應,同時歡迎創作者跟我分享創作,或是你很喜歡的其他作品。

中国摄影师 任航的【人类之爱】

翻译自 http://www.shift.jp.org/en/archives/2017/03/ren-hang-human-love.html/2 /

在瑞士摄影美术馆( Swedish Museum of Photography, Fotografiska )策展的【人类之爱】六天之后,具争议性的中国摄影师终结了自我生命,为他哀悼的文章与言论随即迅速地在网络扩展。 1987年出生于吉林长春,位于中国的东北方, 这位年轻的艺术家才要迈入30岁,他的作品追求错置、甚至嘲弄人类雕塑在时尚的身体。 他的摄影作品转变出嘲讽可笑、荒谬怪诞之感,以对人类的存在与美感提出问题。 对于任航而言,人类的身体是一种表达呈现的讯息,他探索性与自由,对于中国的艺术家而言这是相当不常见的议题,主要肇因其传统社会的阻力。

不像其他创新的风格-快照风格响应了 Jurgen Teller Terry Richardson ,摄影内容也与大自然互动,如同 Ryan McGinley ,任航象征了新一代后毛泽东的中国世代,那些年轻一辈的人们对传统蛮不在乎,对生活厌烦且无所顾忌,但热切渴望触碰禁忌并加注他们的观点。 任航不像其他中国艺术家那么政治性,例如艾未未(艾未未也曾策画任航部分的艺术展)。 任航在全世界最保守的社会脉络中探求性与自由。

 

我不认为我的作品是关于禁忌,因为我对文化脉络或政治上的思维并没有思考太多。 我没有要在国际上推开藩篱;我只是做我想做的。 任航解释。

 

因此他的摄影作品,那些裸露的身躯相对而言只是对自由的表达,而不是寻找什么很确切的东西或想引发什么启发性的思维。 无论如何,中国官方并不这么认为,因此任航过去曾经多次只是展示他的摄影作品而身陷被捕的边缘。

任航摄影作品里一些确切的内容,并没有改变他对人类无关乎文化面或政治角度的视觉表达,他以更诗意的表现手法去操作,而非行动主义的方式。 他的创作是超现实主义的,与此同时也是肉欲感官的。 尽管如此,任航有意识到他那具争议性的创作,仅仅只是因为中国禁止以任何形式在外裸露身体。

 

「绝大多数时间,我利用朋友们的身体,女人或男人,多半都是裸体。 但是如果我在户外拍摄他们的裸体,我们必须非常小心,即便我们没有躲藏,公开的赤裸在中国是不容允许的。

 

瑞士这次的展览最初并没有寻找他作品的争议端点,策展当中没有一件任航的作品呈现生殖器官,但这次有个任航的诗意作品精选相当引人入胜,而且事实上,任航自己就在一周前对此贡献了类似的体验。

就像其他众多的摄影师,任航对于人类的肌肤、骨骼、体型、对于人体的独特性和单一性相当神往,再加上他喜欢红色(就像美国电影导演 Stanley Kubrick )。 总体而论,他的作品都包含了红色,像是擦红色指甲油,或是口红。

在中国的政治情况和国家的动荡态势对艺术审查相当封闭,但任航更倾向于聆听自己的声音,因为摄影是逃离厌烦并寻找人生的唯一路径。

我的艺术不在于介入中国的政治,是中国政治力入侵了我的艺术。 我拍这些照片,因为不这么做人生会穷极无聊,但我并没有特别的目的。 」任航很小心地指出,他并没有试图将他的艺术政治化。

尽管因为他出生国籍的情形,任航已经在国际上许多国家策展,并为全球性的杂志贡献艺术。 基本上,从2009年他就几乎停止了展览,也不在国际上创作了。

任航的自杀令人惋惜,他过去曾经因为摄影师与艺术家的身份在国际上被认可, Fotografiska 可能是他生涯目前为止最大的展览,策展团队表示,任航戏剧性的死亡对他们而言是莫大的损失。 任航的书最近才在德国科隆艺术书籍出版社(Taschen)出版(当时任航自杀,仍有许多地方无法购买此出版品)。 要在德国科隆艺术书籍出版社出版作品对艺术家是莫大的成就,但出于某些理由任航不想享受这般荣耀。 身为一名艺术家在创作生涯上体验了前所未有重要的认可,却自我了断需要相当的意志,是个引发关注的决定。 任航也曾是个诗人,此网站(http://www.renhang.org/)提供大众阅读他的诗词,内容甚至还包含了他忧郁的小论文,大体而言,绝多数的诗句都找得到浪漫诗意的自杀文章。

 

 

任航【人类之爱】

时间: 2017 4 2 日至 4 17

营业时间:早上 9 点至晚间 11 点(周四到周六营业至晚间 11 点)

地点: Fotografiska

入场费:全票 130 瑞典克朗,学生与敬老票 100 克朗, 12 岁以下儿童免费

网址: http://fotografiska.eu

中國攝影師 任航的【人類之愛】

翻譯自http://www.shift.jp.org/en/archives/2017/03/ren-hang-human-love.html/2/

在瑞士攝影美術館(Swedish Museum of Photography, Fotografiska)策展的【人類之愛】六天之後,具爭議性的中國攝影師終結了自我生命,為他哀悼的文章與言論隨即迅速地在網路擴展。1987年出生於吉林長春,位於中國的東北方, 這位年輕的藝術家才要邁入30歲,他的作品追求錯置、甚至嘲弄人類雕塑在時尚的身體。他的攝影作品轉變出嘲諷可笑、荒謬怪誕之感,以對人類的存在與美感提出問題。對於任航而言,人類的身體是一種表達呈現的訊息,他探索性與自由,對於中國的藝術家而言這是相當不常見的議題,主要肇因其傳統社會的阻力。

不像其他創新的風格-快照風格回應了Jurgen Teller或Terry Richardson,攝影內容也與大自然互動,如同Ryan McGinley,任航象徵了新一代後毛澤東的中國世代,那些年輕一輩的人們對傳統蠻不在乎,對生活厭煩且無所顧忌,但熱切渴望觸碰禁忌並加註他們的觀點。任航不像其他中國藝術家那麼政治性,例如艾未未(艾未未也曾策畫任航部分的藝術展)。任航在全世界最保守的社會脈絡中探求性與自由。

 

我不認為我的作品是關於禁忌,因為我對文化脈絡或政治上的思維並沒有思考太多。我沒有要在國際上推開藩籬;我只是做我想做的。」任航解釋。

 

因此他的攝影作品,那些裸露的身軀相對而言只是對自由的表達,而不是尋找什麼很確切的東西或想引發什麼啟發性的思維。無論如何,中國官方並不這麼認為,因此任航過去曾經多次只是展示他的攝影作品而身陷被捕的邊緣。

任航攝影作品裡一些確切的內容,並沒有改變他對人類無關乎文化面或政治角度的視覺表達,他以更詩意的表現手法去操作,而非行動主義的方式。他的創作是超現實主義的,與此同時也是肉欲感官的。儘管如此,任航有意識到他那具爭議性的創作,僅僅只是因為中國禁止以任何形式在外裸露身體。

 

「絕大多數時間,我利用朋友們的身體,女人或男人,多半都是裸體。但是如果我在戶外拍攝他們的裸體,我們必須非常小心,即便我們沒有躲藏,公開的赤裸在中國是不容允許的。」

 

瑞士這次的展覽最初並沒有尋找他作品的爭議端點,策展當中沒有一件任航的作品呈現生殖器官,但這次有個任航的詩意作品精選相當引人入勝,而且事實上,任航自己就在一周前對此貢獻了類似的體驗。

就像其他眾多的攝影師,任航對於人類的肌膚、骨骼、體型、對於人體的獨特性和單一性相當神往,再加上他喜歡紅色(就像美國電影導演Stanley Kubrick)。總體而論,他的作品都包含了紅色,像是擦紅色指甲油,或是口紅。

在中國的政治情況和國家的動盪態勢對藝術審查相當封閉,但任航更傾向於聆聽自己的聲音,因為攝影是逃離厭煩並尋找人生的唯一路徑。

我的藝術不在於介入中國的政治,是中國政治力入侵了我的藝術。我拍這些照片,因為不這麼做人生會窮極無聊,但我並沒有特別的目的。」任航很小心地指出,他並沒有試圖將他的藝術政治化。

儘管因為他出生國籍的情形,任航已經在國際上許多國家策展,並為全球性的雜誌貢獻藝術。基本上,從2009年他就幾乎停止了展覽,也不在國際上創作了。

任航的自殺令人惋惜,他過去曾經因為攝影師與藝術家的身份在國際上被認可,Fotografiska可能是他生涯目前為止最大的展覽,策展團隊表示,任航戲劇性的死亡對他們而言是莫大的損失。任航的書最近才在德國科隆藝術書籍出版社(Taschen)出版(當時任航自殺,仍有許多地方無法購買此出版品)。要在德國科隆藝術書籍出版社出版作品對藝術家是莫大的成就,但出於某些理由任航不想享受這般榮耀。身為一名藝術家在創作生涯上體驗了前所未有重要的認可,卻自我了斷需要相當的意志,是個引發關注的決定。任航也曾是個詩人,此網站(http://www.renhang.org/)提供大眾閱讀他的詩詞,內容甚至還包含了他憂鬱的小論文,大體而言,絕多數的詩句都找得到浪漫詩意的自殺文章。

 

 

任航【人類之愛】

時間:2017年4月2日至4月17日

營業時間:早上9點至晚間11點(周四到周六營業至晚間11點)

地點:Fotografiska

入場費:全票130瑞典克朗,學生與敬老票100克朗,12歲以下兒童免費

網址:http://fotografiska.eu

 

 

在黎明 我與我的T媽媽 對話

理解與否在於頻率同否

有些人走到很遠的地方,拍攝很大的議題,作品探討大到觀眾無法感同身受。也有些人專拍夢幻作品,夢幻到自以為喚起了某世代共同回憶而沾沾自喜。我這種人對這些類型無感,反而被列為怪奇人物。

臺灣電影雷聲特別大廣告特別多的,不是校園純愛偶像劇拍成偽電影,就是勵志運動劇情片,像是棒球、體操、拔河。

事實誰都知道,臺灣的教育界跟政府對體育根本不屑一顧,普遍父母甚至對學科以外的發展嚴厲禁止,一種「以愛之名的壓制暴力」,看準市場無謂的需求,教育機構攜手補習班大賺「父母憂心錢」,外文補習班順便養一堆歐美來的外勞,那些壓根對教育毫無理念毫無熱情,對語言文化相當無感的人甚至對臺灣不慎尊重,再順便排擠臺灣外語教師。再來社會潮流逼迫學子一路念書,有的人念到一定程度才發現這個社會已變成「學歷無效,專長致勝」,然後被冷語:念那麼多書還不是找不到工作;另一部份的人終於在長大之後,有了選擇生活的權力於是離島出走,社會又以不成家不立業不找正當工作不生子不能理解的冷言酸下一代。

 

近日才讀了《與神對話》臺灣中文翻譯,神與王惠偵導演說了一樣的話:

「語言是最糟的溝通」。

王惠偵導演接著說:「但我們需要溝通」。

 

國際文化交流的時代,臺灣女生可以在傳統觀念臺灣社會以外做選擇,更可以去島外世界享受自主生活、尋找工作、尋求認同、尋找懂得女性價值的男人,甚至組織家庭,卻被「落選」臺灣男以自卑心態片面化譏台灣女生為CCR;上一代責罵新世代繭居靠爸,一邊罵經濟停滯、臺灣企業沒轉型,房價亂漲薪水沒漲;企業不願花錢花時間在職訓練,一邊怨嘆臺灣學校教不出業界好用的人才,學校喊冤稱有實習制度,事實是以「實習學分制度逼迫學生當廉價或免費勞工」;新聞不是立院吵鬧打架,就是路上車禍鄰居不和,許多立委議員出面最後都可以以中國與臺灣的政治關係做結尾。

這大概就是我感受到的臺灣,有關係端點的彼此不願正視彼此,不願將彼此放置在更寬廣的脈絡去理解,因此吵吵鬧鬧,大音量聲嘶力竭的吵架只是徒勞,如果對方懂你,一個眼神足以。

物欲過剩的時代人人內心匱乏,加上臺灣人對自我認知(Self-identity)處於一個亟欲擺脫自己文化、忽視真正臺灣人-原住民的存在的狀態, 因此變成重洋媚外,哈日韓流,想在掏空自己文化同時隨便拿個什麼搪塞自己的空洞,可見的證據不勝枚舉,例如台南奇美博物館的噴泉、南侖龍貓彩繪村、妖怪村,與此同時,政府為土地建商賺錢,文化歷史建築拆的拆,卻又表向的興建歌劇院之類的建築,矛盾至極。

不願正視自己,不能理解身邊的一切,世代之間的代溝疑問刻意避談,理應包容並幫助人們成長的社會不能苟同人們。

李惠偵導演一一破解了這道道關卡,《我和我的T媽媽》(英文片名:The Priestess Walks Alone)(2016,王惠偵)在鬧哄哄的台灣,以將近十年的時間醞釀而出,經過情緒思緒的抽離、轉折、成長、面對和理解,導演將鏡頭對著自己,對著母親,對著家庭,特別在生育女兒之後,不只理解了女人生存台灣社會的感受,導演更將自己放置在與母親相同的頻率裡,以拍片作為溝通的介質,以紀錄片的形式擁抱母親。

映前,我一貫地沒看預告片、不讀任何影評或導演訪談、不查任何資料,以自己眼睛所感受的方式去觀賞電影。

第一個讓我訝異的點,是導演本人在片中,要與母親坦承心理話,母親一句「我知道妳很討厭我啦!」,我才知道這部片是導演與母親溝通的進程,而非因為親密而坦承的結果。

片中畫面兩個人坐在長桌的兩端,看似平衡的構圖,卻見兩人情感上仍未平衡的關係。母親在畫面的左邊,一雙腳收在椅子上,模樣看似身體整個捲起來,似乎是對未知對話或攝影過程的自我保護,或對外防禦。

另一個我喜歡這部片的點,是這部紀錄片沉重的議題,似乎悲傷赤裸覆蓋淹沒了整部片,卻不時有母親身邊人的訪談,以極為台灣道地的言辭或反應,相當「真實」的直說秘密或裝傻,包含母親的女朋友們,和母親兄妹對母親性向知情的裝傻和顧左右而言他。

導演時而透過對女兒教唱,實際在對母親表達愛意,又本片透過鏡頭與母親對話,社會大眾透過本片與自己對話,我們何嘗不是習慣透過介質與人溝通呢?

這部是導演自己的親身故事,也是大家的故事。讓不善溝通的台灣人,藉紀錄片面對自己,理解自己,也讓台灣電影多了一部真真切切充滿共同回憶的,觀眾能夠感受的電影。有多少人有這般勇氣,面對自己原生家庭的問題。這部片所能探討的層次太多,我猜許多導演座談的問題,都偏向拍片與母親關係的交織過程,在觀影過程,我看得到這些令人好奇的點。

另一部分我在思考,當導演透過影片讓社會之間對話,影片在巡迴放映的時程,大眾對本片是否有回饋反映上的轉折,剛好在上映過程中,台灣通過了同婚法,影片一開始母親就說,如果能選擇,他一定不會結婚。雖然影片不是單純探討同性議題,但在社會觀點轉化的潮流裡,民眾跟影片的化學效應,或許也會轉變也說不定。

人有各自的苦與幸福

導演的母親,職業是牽魂人,那些怪誕的做事內容,下腰翻轉身體,似乎在講述母親的前半輩子對他自己而言是多麼荒謬,也因此母親心裡有激進女性主義的心態、男人的浪漫、理解傳統女人為人母的心情等,可是逼他無從選擇的傳統價值觀,卻讓另一個自己(李導演)原諒他,幫他訴說自己的故事,且在他人生前段完成了社會責任,結婚生子,現在可以自由的戀愛,也算是過著相當幸福的日子吧。

映演場所是溝通教育親子的場所-黎明幼兒園

電影院以某種文化層面而言,不是放映場地最佳的選擇,因為一般向著好萊塢電影傾斜的電影院,將電影與其他藝術切割開來,變成播放單一文化內容的影廳,純粹的功能性。空間的存在所能程載的重量,要多得多了。

這次有幸觀賞李惠偵導演的紀錄片,是透過「土地˙記藝 黎明藝文祭」策展,為保留黎明幼兒園所做的行動。《我和我的T媽媽》影片裡親子溝通與社會教育意義的層面,相相呼應了黎明幼兒園作為影片放映的空間,映後與導演座談對話,當晚形成影片、空間、人與人接觸一致性又多層次的放映會。影片與空間彼此合作不是商業利益的關係,卻更亟需彼此的力量,這也是策展在場地選擇下,應該思考的點。

跟台中天外天劇場一樣,黎明幼兒園面臨被迫拆除了命運,商業利益考量,為土地利益爭議而選擇背棄富有教育理念的文化建築。園長本身為紀錄片導演,是相當熱情親民的大叔,他當晚跟我們一起坐在幼兒園迷你版七彩的小木椅與導演訪談,下周日會有他的影片放映,請有空的大加,相約去欣賞這座美麗的幼兒園空間,還有台灣草根紀錄影像的創作。

 

後記:

我現在才發現「母親」這兩個字,沒有女部。娘才有。不知這兩者之間差異為何?

原來「母」是象形文字,是因為只要身體有母特質,就要當母嗎?

我們不直說卻默默在乎,也默默觀注,以至於愛恨積壓無處宣洩。

讓我想起以前「無名小站」有「誰來我家」的功能,大家有多麼在乎!至今,「誰來我家」都還強過Facebook的按讚。現在我們有各式社交媒體和通訊軟體,甚至有貼圖可以代替傳話,不曉得虛擬互動對真實的人際關係,是對虛的掩飾,還是真正促進關係呢。

16 July 2017