在黎明 我與我的T媽媽 對話

理解與否在於頻率同否

有些人走到很遠的地方,拍攝很大的議題,作品探討大到觀眾無法感同身受。也有些人專拍夢幻作品,夢幻到自以為喚起了某世代共同回憶而沾沾自喜。我這種人對這些類型無感,反而被列為怪奇人物。

臺灣電影雷聲特別大廣告特別多的,不是校園純愛偶像劇拍成偽電影,就是勵志運動劇情片,像是棒球、體操、拔河。

事實誰都知道,臺灣的教育界跟政府對體育根本不屑一顧,普遍父母甚至對學科以外的發展嚴厲禁止,一種「以愛之名的壓制暴力」,看準市場無謂的需求,教育機構攜手補習班大賺「父母憂心錢」,外文補習班順便養一堆歐美來的外勞,那些壓根對教育毫無理念毫無熱情,對語言文化相當無感的人甚至對臺灣不慎尊重,再順便排擠臺灣外語教師。再來社會潮流逼迫學子一路念書,有的人念到一定程度才發現這個社會已變成「學歷無效,專長致勝」,然後被冷語:念那麼多書還不是找不到工作;另一部份的人終於在長大之後,有了選擇生活的權力於是離島出走,社會又以不成家不立業不找正當工作不生子不能理解的冷言酸下一代。

 

近日才讀了《與神對話》臺灣中文翻譯,神與王惠偵導演說了一樣的話:

「語言是最糟的溝通」。

王惠偵導演接著說:「但我們需要溝通」。

 

國際文化交流的時代,臺灣女生可以在傳統觀念臺灣社會以外做選擇,更可以去島外世界享受自主生活、尋找工作、尋求認同、尋找懂得女性價值的男人,甚至組織家庭,卻被「落選」臺灣男以自卑心態片面化譏台灣女生為CCR;上一代責罵新世代繭居靠爸,一邊罵經濟停滯、臺灣企業沒轉型,房價亂漲薪水沒漲;企業不願花錢花時間在職訓練,一邊怨嘆臺灣學校教不出業界好用的人才,學校喊冤稱有實習制度,事實是以「實習學分制度逼迫學生當廉價或免費勞工」;新聞不是立院吵鬧打架,就是路上車禍鄰居不和,許多立委議員出面最後都可以以中國與臺灣的政治關係做結尾。

這大概就是我感受到的臺灣,有關係端點的彼此不願正視彼此,不願將彼此放置在更寬廣的脈絡去理解,因此吵吵鬧鬧,大音量聲嘶力竭的吵架只是徒勞,如果對方懂你,一個眼神足以。

物欲過剩的時代人人內心匱乏,加上臺灣人對自我認知(Self-identity)處於一個亟欲擺脫自己文化、忽視真正臺灣人-原住民的存在的狀態, 因此變成重洋媚外,哈日韓流,想在掏空自己文化同時隨便拿個什麼搪塞自己的空洞,可見的證據不勝枚舉,例如台南奇美博物館的噴泉、南侖龍貓彩繪村、妖怪村,與此同時,政府為土地建商賺錢,文化歷史建築拆的拆,卻又表向的興建歌劇院之類的建築,矛盾至極。

不願正視自己,不能理解身邊的一切,世代之間的代溝疑問刻意避談,理應包容並幫助人們成長的社會不能苟同人們。

李惠偵導演一一破解了這道道關卡,《我和我的T媽媽》(英文片名:The Priestess Walks Alone)(2016,王惠偵)在鬧哄哄的台灣,以將近十年的時間醞釀而出,經過情緒思緒的抽離、轉折、成長、面對和理解,導演將鏡頭對著自己,對著母親,對著家庭,特別在生育女兒之後,不只理解了女人生存台灣社會的感受,導演更將自己放置在與母親相同的頻率裡,以拍片作為溝通的介質,以紀錄片的形式擁抱母親。

映前,我一貫地沒看預告片、不讀任何影評或導演訪談、不查任何資料,以自己眼睛所感受的方式去觀賞電影。

第一個讓我訝異的點,是導演本人在片中,要與母親坦承心理話,母親一句「我知道妳很討厭我啦!」,我才知道這部片是導演與母親溝通的進程,而非因為親密而坦承的結果。

片中畫面兩個人坐在長桌的兩端,看似平衡的構圖,卻見兩人情感上仍未平衡的關係。母親在畫面的左邊,一雙腳收在椅子上,模樣看似身體整個捲起來,似乎是對未知對話或攝影過程的自我保護,或對外防禦。

另一個我喜歡這部片的點,是這部紀錄片沉重的議題,似乎悲傷赤裸覆蓋淹沒了整部片,卻不時有母親身邊人的訪談,以極為台灣道地的言辭或反應,相當「真實」的直說秘密或裝傻,包含母親的女朋友們,和母親兄妹對母親性向知情的裝傻和顧左右而言他。

導演時而透過對女兒教唱,實際在對母親表達愛意,又本片透過鏡頭與母親對話,社會大眾透過本片與自己對話,我們何嘗不是習慣透過介質與人溝通呢?

這部是導演自己的親身故事,也是大家的故事。讓不善溝通的台灣人,藉紀錄片面對自己,理解自己,也讓台灣電影多了一部真真切切充滿共同回憶的,觀眾能夠感受的電影。有多少人有這般勇氣,面對自己原生家庭的問題。這部片所能探討的層次太多,我猜許多導演座談的問題,都偏向拍片與母親關係的交織過程,在觀影過程,我看得到這些令人好奇的點。

另一部分我在思考,當導演透過影片讓社會之間對話,影片在巡迴放映的時程,大眾對本片是否有回饋反映上的轉折,剛好在上映過程中,台灣通過了同婚法,影片一開始母親就說,如果能選擇,他一定不會結婚。雖然影片不是單純探討同性議題,但在社會觀點轉化的潮流裡,民眾跟影片的化學效應,或許也會轉變也說不定。

人有各自的苦與幸福

導演的母親,職業是牽魂人,那些怪誕的做事內容,下腰翻轉身體,似乎在講述母親的前半輩子對他自己而言是多麼荒謬,也因此母親心裡有激進女性主義的心態、男人的浪漫、理解傳統女人為人母的心情等,可是逼他無從選擇的傳統價值觀,卻讓另一個自己(李導演)原諒他,幫他訴說自己的故事,且在他人生前段完成了社會責任,結婚生子,現在可以自由的戀愛,也算是過著相當幸福的日子吧。

映演場所是溝通教育親子的場所-黎明幼兒園

電影院以某種文化層面而言,不是放映場地最佳的選擇,因為一般向著好萊塢電影傾斜的電影院,將電影與其他藝術切割開來,變成播放單一文化內容的影廳,純粹的功能性。空間的存在所能程載的重量,要多得多了。

這次有幸觀賞李惠偵導演的紀錄片,是透過「土地˙記藝 黎明藝文祭」策展,為保留黎明幼兒園所做的行動。《我和我的T媽媽》影片裡親子溝通與社會教育意義的層面,相相呼應了黎明幼兒園作為影片放映的空間,映後與導演座談對話,當晚形成影片、空間、人與人接觸一致性又多層次的放映會。影片與空間彼此合作不是商業利益的關係,卻更亟需彼此的力量,這也是策展在場地選擇下,應該思考的點。

跟台中天外天劇場一樣,黎明幼兒園面臨被迫拆除了命運,商業利益考量,為土地利益爭議而選擇背棄富有教育理念的文化建築。園長本身為紀錄片導演,是相當熱情親民的大叔,他當晚跟我們一起坐在幼兒園迷你版七彩的小木椅與導演訪談,下周日會有他的影片放映,請有空的大加,相約去欣賞這座美麗的幼兒園空間,還有台灣草根紀錄影像的創作。

 

後記:

我現在才發現「母親」這兩個字,沒有女部。娘才有。不知這兩者之間差異為何?

原來「母」是象形文字,是因為只要身體有母特質,就要當母嗎?

我們不直說卻默默在乎,也默默觀注,以至於愛恨積壓無處宣洩。

讓我想起以前「無名小站」有「誰來我家」的功能,大家有多麼在乎!至今,「誰來我家」都還強過Facebook的按讚。現在我們有各式社交媒體和通訊軟體,甚至有貼圖可以代替傳話,不曉得虛擬互動對真實的人際關係,是對虛的掩飾,還是真正促進關係呢。

16 July 2017

時間 空間 與旅行的速度-青年旅店的共享空間

僅致我求學、撰寫論文、旅歐日、無家可歸時期,所有照顧我的十五間青年旅館。Homey篇。

在俠客飛簷走壁的武俠片裡,客棧是長途旅行的中繼站,俠旅不是飽餐一頓,像風一般的消失無蹤,就是一覺醒來瀟灑離去。這種以休息為目的的暫停,卻難以見得「房間」作為場景,反是一樓提供酒水肉魚的公共場所,一個經常被比武摧毀的空間,才是客棧存在的主要功能,而這往往成了主角大展絕技,奠定人物高超武力的主要場所。

現代旅人,在速度的移動上緩慢許多,因為「旅行」成為目的,像我經常以一夜情的方式,武俠般的快閃住宿,可能非屬多數。現在的旅客,是跨越國際的,因此公共場所乘載的,不是肢體表象的武打,而是心靈上的分享,所謂以文化會友。多數的新建旅店,都有書櫃和能免費使用網路的電腦,這在資訊交流的後數位時代,幾乎等於年輕旅店獲得青睞的基本設備。

若說客棧是一樓店小二滿足俠客飽食之慾的主要空間,現代新興的混宿旅店,公共空間成為旅人滿足資訊交換的重要空間,可見旅店的公共空間(Saloon/Lounge/Social Space)一部分已成為旅店選擇的指標之一。

 

觀光產業可以成為設計美學嗎?

 

旅行方式的改變,單人獨旅變成現代的俠客,19世紀開始,拜美國福特主義的機械瘋狂,自歐美開始興起勞工權益意識,人們的時間一分為二的變成上工與放假,甚至數位時代來臨,辦公地點的游移對於旅遊作家之類的現代工作,變成必要的生活型態。預期的假日、廉價航空與漫遊者的出現、生活型態的劇變、人與環境的關係產生變革,建築空間是否能做出回應,成了旅店經營策略最基本,也最核心的成敗關鍵。

上週日(2017年7月10號),在台灣台北入住了重新內部改建的紅米旅店。Homey,以HOME,家為本,這是許多旅店期許給旅人「回到家裡的自在跟安心感」,Homey念起來很像黑人用語的Homie,意為兄弟交情或自己人,一種特定生活行話才有的親暱稱呼,又homeY,字尾加一個Y,有點類似於西文裡想要強調可愛感,改變cute結尾,變成cuties/ cuty,或baby變成babido,感覺上是「外宿的小家」作為定位的旅社。

大廳,以前在商旅只是等待的空間,現在轉變為旅人放鬆休息,閒置自我的地方,無論為何,大廳總是第一個與旅人接觸的場所,因此對我而言,每次一打開大門一覽大廳,都有種大廳在跟我HI~~的幻覺。而這次入住的Homey,竟然出現兩個HI~~,因為它有兩個大門。

Check In相當順利,店員順口跟我介紹旅店提供的活動,並強調不住這裡也沒關係,一起來玩,這種感覺像隔壁叔叔與你偶然在家門口碰面,問你賈霸沒/還沒/阿,那一起來吃啊,這種台灣人在地的傳統家常熱情。

晚間在外用完餐,攜友人回住宿大廳話家常,我們開始談論空間這回事。

當時的我處於人生混沌潮,總覺得世界那麼大,卻無一處可收留我。

友人處於生活面臨艱難抉擇時刻,他希望有個地方能大口呼吸。之類。

我們認真地看著Homey大廳,不算遼闊的空間,被切割成上上下下,與入住上下床舖的概念一致性地呼應。所以我們化身成貓,想跟人窩在一起,又想躲起來懶得說話的矛盾感,有可躺可斜臥的躲避處;想敞開式的吃吃喝喝,有靠近廚房的大桌;想維持一個人類正常的模樣,好好地與人交談或使用電腦,或把自己窩在靠近天花板的上處,欣賞台灣特有的建築街景,竟然在同一個空間一次擁有,讓我想到貓咪樹屋,有小洞屋跟樓梯,Homey的公共場所大概就是這個樣子。

當然他們或許不是以貓樹屋的概念設計大廳,即便經營人員僅以輕描淡寫的說Homey最近重新整修了,但以我住過青旅的經驗,這樣的設計切割是前所未見的,而她背後卻是一個經營理念,是關於「分享」的概念。

當我們看《哈利波特》電影,哈利與榮恩在交誼廳拆聖誕禮物、試穿隱型斗篷、講祕密,這明明是一個公開場域,卻是聽過最多秘密的地方,青旅的公共空間,於我也是如此。這般以人為本,讓旅客分享資訊、可坐可斜臥的空間,即是當代觀光經濟的生活設計,更是生活風格的經營思維。

分享作為理念 貫穿整座旅店

以前的世界慢,俠客飛快。現代的速度快,旅人慢了下來。

旅行的成形與結尾,是分享,就像現在這篇文章,或是線上訂住宿網站的公開心得。

旅行的過程是分享,這不僅是文化交流的分享,更是時間上的抽離與巧遇,因為此時此刻,誰會遇到哪個旅人抽出了生命的某一段時間,飛到某個地方,與誰說上一段話,爾後各自繼續自己的人生,但這樣的碰撞或許讓你生命的角度出現轉折,我們的生命一直如此,而旅店的公共空間更提供這樣的機會,讓你分享,讓你期待,讓你與自己相處,讓你慢下來,讓你在數位時代裡有一個真實的空間與人交談,讓你的分享成為影響力去轉折別人的思維。

Homey的改裝,其實是清澈的體悟了旅人的心境,做了適合旅人生活美學的空間設計作品。因為我們作為旅客,被空間設計考慮進去,心中感動,我與友人欣賞這片風景,暫時可以好好呼吸,慢慢地說話。

想著,店員邀約我參與他們舉辦的活動,以及大廳與衛浴廁所完全的公開性,無門禁亦無需門卡,這種完全的分享性,滲透到整個旅店與經營策略,我才明瞭為什麼青年旅館成為新的住宿選擇,而為何大家推薦Homey。

 

空氣存在的真實空間

在雜訊過多的資訊社會裡,真實空間因而重要。

 

數位時代沒有隱私的年頭,我們在咖啡廳談天寫作,因為來來去去的陌生人,我們反而隱身了,相對的在都會中「公開隱藏自己」了,創作思路反而去除雜質而清晰了。都會人的生活行動,被工作場所、家庭與往返這兩者之間的通勤佔據,想逃離這兩個端點,我們渴求隱匿的躲藏自己,這或許是為何咖啡店越來越多,因為咖啡廳不只是喝咖啡的地方,而是公共的秘密空間。

網際網路的媒體複製性,擠壓了音樂實體販售店的營收,減低電影院的票房收入。2017年坎城影展迸發Netlflix影音數位平台與法國影展制度的對峙,在一面倒數位至上的聲浪,事實上2016年黑膠唱片銷量已逆勢回潮超越數位音樂的銷售數字,英國倫敦近年新興的單廳獨立電影院,以及人文實體書店以獨立之姿重回街景。實體空間的逆襲早已以實際行動證明,人們多麼需要真實的場景,讓人們去用身體感受空間帶來的社交,消費,以及人與人之間的串聯性。

青年旅館抑是如此,她是與世界交會面對面的連結點,是一個全球開放性的分享交誼廳,現在的我,如果覺得無處可躲,我大概會暫時鑽進青旅,躲一晚也好。當然旅館的附加價值可不這麼扁平,圍繞在「文化分享」與「人之間的串連感」,許多旅館推出都市踏青活動、共用晚餐等,我在日本吃過現作壽司、在倫敦辦過動畫映演、在巴黎參加walking Tour、在生日當晚遇見另外兩位同房人士都是同一天生日而獲得旅館贈送的徽章,以及青旅所預見的旅客成為好友聯絡至今,以上除了免費,這都是青年旅館不可思議的魔力,無法預期的人生的碰撞,有機會的話,大家一定要嘗試體驗青年旅館的魅力。

 

後記:

2017年7月9日週日,為前往台北,搭了早上10點30分左右的火車,在新建的台中車站大廳撇見行動書車,才發現自己身上一本書都沒帶,沒有智慧型手機的我,這趟路途要怎麼過呢?認真看了一看行動書車的書,對我而言,沒有一本值得花錢購買收藏,於是入閘門上月台,發現分享書櫃-「讓書旅行去」,隨手拿了電影音樂的書,當作休閒娛樂之用。火車一路開往莫約新竹,隔壁乘客拿了兩本新書,說要送我,其中一本關於「拙火」,對於靈學、瑜珈或玄學的思維毫無接觸的我,接受了他的贈予,於是我把剛剛在分享書櫃拿走的書,當作禮物回送給他。

火車繼續前駛,他說最近想要清理家中的東西,書看完了,本來就要送給別人,開始聊對於生活的轉變,關於極簡生活之類的話題,他又推薦了兩本書,其中一本《與神對話》現在已經因為他的推薦,被我從圖書館借回家,躺在書桌上。起初我以為他要傳教,但他說沒有宗教信仰,這些靈玄的東西,是在表向的宗教之上,再聊到關於藝術家務農,等等。

他在桃園下了車,隨後是兩位年近退休的女人,一位坐在我旁邊,互相比較著她們宗教信仰分會的制度,繼續宗教課程與分享話題,延續到找人入會傳直銷說話技巧開釋。我想我實在很幸運,遇到的是送我拙火書的人,而不是這兩個女人其中之一,但這兩個女的,或許因為彼此的分享而獲得諸多幫助也說不定。

「分享」,建構在互相對等關係的前提之下,以平等的方式將某些東西傳遞出去。就像網路抹平了每個人真實世界的身份地位,以抒發心情、友情串聯和分享的方式壯大網路的威力,因此虛擬世界成為另一個國度,足以對抗真實世界的政治壓迫。

抵達台北,與朋友分享彼此的時間與心情,朋友之間的交流,就是以分享為主軸連繫彼此的吧。

日後回家,傍晚在廣場草坪席地而坐,看著來來往往的人潮,那些下班慢跑遛狗發呆借Ubike的人與狗們。

其中許多主人出門遛狗,卻直愣愣地站著專心滑手機,手上緊握著繫著狗的繩索,限制了狗的行動,又不與自己的狗互動,也不讓狗跟其他的狗互動,狗與主人貌合神離,深覺悲慘,眼下我只見主人與狗之間唯一的關連,就僅僅是那條繩子而已。也有邊走邊扯狗繩子的主人,絲毫不在乎狗的感受,狗就一路被以扯的方式被迫被遛。還有路人看到漂亮的狗,不與狗打招呼也不保持距離,就開閃光燈在離狗超近距離的狗面前拍照。諸如此類,白癡的人類。

人之間的互相尊重,分享一切的美好,我真真切切地希望這份心意,人類可以以同等的方式對待身邊的萬物,尤其是家裡的寵物。

我們沒有權力全權控制任何生命,即便是你自己的孩子,也是如此(推薦另一本書:《你的孩子不是你的孩子》)。現代人類只要有錢,即便你什麼都沒有,沒時間、沒同理心、沒飼養經驗、沒有對動物有基本的尊重種種,都可無條件獲得飼養權,但我們必須釐清,飼養動物等同強迫牠們生存在人類建構的世界,尤其是都會,因此,人類如何在分享空間、時間與情誼的前提下,盡所能地讓人類生活的社會環境,以友善之姿對待動物。

人類自古以來就有以掠奪作為獲取優勝的傳統,舉凡為掠奪土地擴展邊疆而發動戰爭、白人掠奪有色人種的活動自由,作為奴隸或編列為作戰軍隊,而現代人以掠奪動物生存選擇權與自由權為樂,人性一點也沒改變。「因為動物好可愛,所以我要養牠」,根本就是一個錯誤的前因後果邏輯思考,主人與寵物原本就不是一個對等的關係。

當我們對人類自己的生活型態瞭解掌握了,是不是我們可以開始思考,如何打造人與動物友善互動的環境呢?人類作為一個狂妄自大的動物,我們應該理解這個世界宇宙對人類無限制的包容以及環境分享,我們應該更以謙卑的心與動物們共享這個世界。

 

動畫專輯- 手感製作逆勢回歸

動畫是電影類型裡,最貼近人類原始創造力的一種方式,是電影界裡的手工業。暖心又承受被愛的世界忽略的痛苦的偶動畫《我的酷瓜人生》以燈光氛圍的美好,在里昂電影袖珍博物館展示。

動畫為一個電影型態,從最初的古老洞穴壁畫開始,演變到科技時代的電影3D後製、VFX影像等,讓一堆創作者轉為科技軟體為導向,似乎忽略了創作手法與劇本情節相對的關聯性,也略過了展現氛圍情緒的選擇性。

2016年黑膠唱片長期低靡的銷量終於勝過數位音樂,這個雜七雜八七嘴八舌,不鬧轟轟不甘心的後時代,消費者在嘗鮮了便利性與科技媒體新鮮感,過渡到對品味價值的格調要求,到頭來,喜新求變的市場,終究還是選擇創作「原真」體驗的價值,無論是音樂界的黑膠,或電影科技與否並無所謂,人們所要的,僅僅是好的故事,以及能夠襯托劇本情緒的表達方式。

動畫電影在影壇這兩年來勢洶洶,又2017年是日本動畫的100週年,各大電影博物館紛紛邀請動畫入主策展,如倫敦的Barbican Art Centre為2017年亞洲與日本動畫的策展、法國電影博物館(Cinematheque(La Cinematheque Francaise Musee Du Cinema))在日本電影展覽也囊括了日本動畫;SouthBank Centre 姆咪展(Adventures in Moonminland)、當代美術館Tate舉辦的獨立美國實驗動畫(Independent Frames: American Experimental Animation in the 1970s + 1980s)等,動畫的展現以策展的形式出現,更可能比一般影廳上映還要豐富。

2016年英國倫敦電影節60年來第一次在四大競選提名中,都出現了動畫片,還特別關注日本新海誠導演《你的名字》,和瑞法合製的停格動畫《我的酷瓜人生》,今年春季,英國週末票房在兒童節那週,英國推出了《佩佩豬電影》(Peppa Pig: My First  Cinema Experience, 2017)在英國上映,英國就在兒童節前後的週末票房,以《寶貝老闆》(The Boss Baby, 2017)、《藍色小精靈:失落的藍藍村》(Smurfs: The Lost Village, 2017)、以迪士尼為基準翻拍的《美女與野獸》(Beauty and the Beast, 2017)和美國以真人翻拍日本動畫《機殼特攻隊》(Ghost In the Shell, 2017)等作品攻下週末票房名列前茅第位,不難嗅出英歐電影市場對動畫上映的嘗試,以及策展動畫的喜愛。

今年春天有幸前往參訪電影袖珍博物館,其中特別限時展出《我的酷瓜人生》動畫中人偶設計和場景空間,在此與大家分享。

 

提著一籠燈照進每個小心房,

才發現這裡面藏著滿滿的期待,

渴望被愛。

《我的酷瓜人生》(Ma Vie de Courgette, 2016)由瑞士籍導演Claude Barras改編童書”Autobiographie d’une Courgette”(2002, Gilles Paris),以停格動畫的方式編製拍攝成瑞士與法國合製的動畫電影,於2016年法國Annecy國際動畫電影節獲得最受關影人青睞獎(Audience Award)、水晶最佳長片獎(Cristal Award for Best Feature)、Cannes影展之金攝影獎、歐洲電影獎之最佳動畫電影獎、金球獎之最佳動畫長片獎、東京動畫獎之電影首獎等國際級榮譽。

這部關於育幼院小朋友的故事,以孩童天真的視線,審視大人世界與家庭關係的溫馨作品(pain taking),相當細膩地描繪孩童孤寂的情緒、假裝堅強的模樣、默默接受事實失落的表情,Q版小朋友們臉上大大閃閃發光的雙眼陰著厚厚的憂鬱:有的小朋友排斥跟媽媽回家,有的小朋友一聽到有疑似家長來訪的聲音,就滿懷期待的跑去門口看是不是媽媽來接她,有的小朋友卻連這種可以期盼的機會都沒有。

對於情緒表達與氛圍靈活的刻劃,亦展現於電影場景佈置:教師辦公室裡極為精細的魚骨地板拼接、美麗至極的雪景和光影的投射,都全都在法國里昂被列為NUESCO國際教科文組織16世紀的歷史建築裡,電影袖珍博物館Musee Miniature et Cinema展示!

法國第二大城Lyon是一個影視界神聖之處,Euronews的總部在此,還有這麼一個電影人物保存的博物館,小小的城市產出豐盛的藝術資源,還以美食聞名,可見Lyon對於品味別具風味。

位於里昂文化鬧區的電影袖珍博物館門口,貼著當時正展出的《我的酷瓜人生》海報,和蜘蛛人模型並列。

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酷瓜本尊登場 電影原著現身

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酷瓜本人底家!親眼目睹了電影主角,有種看到電影明星的感覺!每個場景旁邊都有使用Ipad提供相對應場景的電影片段。

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這是導演Clude最初版的手繪分鏡,以及被電影改編的童書原著出版品。

用便利貼處理分鏡真是聰明!這樣可以輕鬆方便的更換剪接鏡頭,在後製溝通上相對直接明瞭,偷學到了拍片前製的分鏡小撇步 😛

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最令人心醉神迷小朋友臉上豐富的表情包,專業停格動畫的表情設定更換組。這些人物是由3D列印製作出人頭、嘴巴組、眉毛組和不同的眼睛,劇組透過電腦計算記錄演員表達的台詞聲音,讓動畫師以此設計出不同的嘴巴,並依照情境表達,組合成合適的情緒樣貌,眼睛也可以手動換掉的,後腦勺是可以打開的。

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偶動畫人物設計比例圖。大人、小孩的身形比例以及人物身體關節支架。身體都小小的,手長長的,片中人物偷偷的牽手、放風箏,長長的手讓這些舉動更有戲劇性地訴說情緒的走向。在電影中,會看到小朋友們坐在地板,雙手長長的一段攤在地上的模樣,有種無辜可愛感。

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策展空間氛圍 燈光營造電影感

 

燈光是創造氛圍的主宰,是撥動情緒瀰漫空間之中的存在。

以特效、模型、科幻人物、袖珍場景為主題的Musee Miniature et Cinema館內有19世紀70年代到90年代紅遍全球的國際性電影共同記憶,包括《異形》(Alien, 1979)中的異形女王、《侏儸紀公園》(Jurassic Park, 1993)的三角龍、《摩登大聖》(The Mask, 1994)的面具,還有近年讓英國演員班維蕭(Ben Whishaw)闖出名號的電影《香水》(Perfume: The Story of a Murderer, 2006)場景,美國英雄主義類電影的超人型角色等等,都在這邊以本尊展示,此外,在本館最高樓層亦收藏許多袖珍場景藝術作品,有迷你型的肉販、迷你房間角落、迷你恐龍博物館等,全部都是等比例製做展出。因此館方對於展示作品的「空間感」、「原真重現」與「燈光」運用,都具有相當專業細膩的考量,讓參訪者感受到他們此的重視與用心。

上圖就是一個精美的例子,館方善用光線的照射與角度、光束強烈性、光之色溫和感光範圍,讓展品氛圍與電影情緒傳遞一致性,亦能體現電影感,同時訴說拍攝電影時,拍片團隊在故事設定的時間與空間性,這個部分在等比袖珍區更有強烈的感受。

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這個袖珍作品實際上只有我小小的手更小的大小,其室內、走廊、室外的光線、調性都不一,可以感受到空間作為人性暖色的起居、戶外陽光普照的日光,和廊道微弱燈光的空間轉折。

燈光相對於電影情節、人物設定、剪輯手法與導演思維,在影視作品並不是經常被討論的重點,又加上現今電腦計算的進步,畫面顏色常常會透過後製調色,因此一般觀眾對於真實空間的燈光比較沒有投注過多的關注,然而Musee et Mininature對此特別強調出來,這是我很喜歡Musee Miniature et cinema的主因之一。

館方對於他們所展示的物件,是「電影」場景的人物,因此對於展品「故事性」有相當的認知,如何藉由展示作品傳達電影情節的情緒,以及空間的故事性,燈光與音效在館方的電影策展都有特別的設計,館內共有八間房間,各分類為不同電影主題,並在主題房間設計不同燈光、動線和音效,讓我在逛展時,有種「明知展示品是假的,但怕牠會突然動起來」恐懼,以至於我沒有走進鬼怪屍體區跟異形房,下次要約伴去啊。

 

拍片素材選擇 成就影片情緒表達

停格動畫在電腦動畫潮流,仍占有一席重要地位。

美國奧斯卡對CGI動畫的青睞,以掌控性的把票投向電腦動畫、全球票房佳的迪士尼作品,而歐陸或日本無論是影展或影片製作,仍相當喜愛使用傳統方式產製作品。近三年來全球動畫產業仍層出不窮出現傳統動畫製作方式的競爭性動畫長片:樂高玩電影(The Lego Movie, 2014, Phil Lord & Christopher Miller),美國以停格動畫描繪成人世界與人際關係疏離的《艾諾瑪麗莎》(Anomalisa, 2015, Duke Johnson & Charlie Kaufman)、英國最大動畫工作室之一Aardman以停格動畫為根基,《酷寶:魔弦傳說》(Kubo and the Two Strings, 2016, Travis Knight)停格電影、日本動畫《你的名字》(Your Name)〈2016,新海誠) 等,可見偶動畫不只受製片團隊愛戴,也受觀眾喜愛。這些製作團隊大部分並非好萊塢體制下的產製的作品。

如果動畫製作僅能粗略的分為兩大類,那美國就是以罐頭產業為主軸,向數位科技過於傾倒的娛樂事業,而歐陸亞洲則以劇本概念為先,並擇適合創作方式創作。

迪士尼這幾年原創不再,不斷的延續公主系列、拍攝原創動畫續集,如美女與野獸(Beauty and the Beast, 2017), 仙履奇緣(Cinderella, 2015),或拍攝迪士尼公主系列真人電影的番外篇,如《黑魔女:沉睡魔咒》(Maleficent, 2014)、魔法黑森林(Into the Wood, 2015),好萊塢2017年上映日本《功殼機動隊》(Ghost In The Shell, 2017)翻拍的美國版本,這樣的製片策畫多半僅能延續電影第一集的票房,難以吸引新客群。

電影最終得回歸到故事本質為核心,其劇本原創性,近來許多動畫創作不約而同地選擇停格動畫為創作手法,甚至今年出現了英國與波瀾合製的Loving Vincent(2017)(荷蘭梵谷美術館館方對此片渾然不知)以梵谷油畫為手繪製作動畫的方式,描繪荷蘭畫家梵谷神秘的生與死。

動畫是人類直覺性的創作方式,就像小朋友拿到筆喜歡到處塗鴉,也玩洋娃娃與汽車模型假裝它們有生命,可見手繪與停格動畫是與人最接近的電影藝術,我猜想,這可能是獨立動畫工作室選擇創作的原因之一,也因此我們經常能在傳統方式製作動畫的作品中看見具有獨特原創性的故事。電影的表達方式是否與劇本情結有一致性,也是作品成功與否的關鍵所在,因此梵谷風格油畫的梵谷故事、Q版停格的酷瓜人生的創作令人深深著迷,導演選對了創作素材,就像說者要輕柔訴說悄悄話,還是氣勢磅礡的激動演說,影片的情緒也成就了一大半。

 

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這篇文章怎麼寫就是寫不好,很不好,可是又不想讓這些文字被存在電腦裡,因此發表於此。

極有可能是因為,我本來就沒有寫好文章的底子,這次寫這篇文章,才恍然大悟原來自己文筆是如此一蹋糊塗。

最後附上一張,酷瓜與好朋友席地而坐聊天,把長長的手攤在地上的展示場景。

晚安。

 

法國里昂電影袖珍博物館Musée Miniature et Cinéma

《酷瓜人生》展期為2016年10月7日至2017年4月2日

地址:”Maison des Avocats”
60, rue Saint Jean
69005 Lyon – FR

 

參考資料

Musee Miniature et Cinema http://www.museeminiatureetcinema.fr/accueil_eng.html

2017 Oscar Nominations: Animated Feature, Animated Short, VFX(24Jan, 2017)

http://www.cartoonbrew.com/awards/2017-oscar-nominations-animated-feature-animated-short-vfx-147946.html

My Life As A Couregette Wikipedia

https://en.wikipedia.org/wiki/My_Life_as_a_Courgette

http://culturebox.francetvinfo.fr/cinema/animation-jeunesse/les-secrets-de-fabrication-de-ma-vie-de-courgette-247189

 

電影院的本質 – 倫敦酒吧新興戲院

電影院對臺灣人而言,就是看電影的地方吧?

這麼說沒錯,但一個空間的層次若僅僅局限於功能性,不是沒有搭上當代氛圍美感的潮流這麼簡單,而是一個我們經常會犯的錯誤,扁平化了空間更多的可能。企業若不懂得把附加價值提升到可以作市場區隔的程度,很難在風格取向的消費者中取得認同。

你有沒有發現即便如此,臺灣一心向著「生活美學」轉的期盼,越來越旺盛?某種程度而言,都能解釋為什麼年輕一輩的想開間咖啡廳或二手書店,誠品書店為何成功還激發了日本代官山蔦屋書店,現在又折返回臺灣進駐首都?臺灣掀起的懷舊風潮,連大遠百建起古早味的地下美食街風景,而臺灣人寧願去真的威尼斯,也不是很屑遠百樓上的模型威尼斯吧。

臺灣不是向外,瘋狂的消費日韓歐美用品與媒體,就是向著一去不復返的過去質樸的時光,懷念臺灣國小課桌椅、板凳與三輪車的農業時代,就是不想面對現在鐵皮屋紛雜的市容,以及一面喊著要推文創與電影產業的政府,一面又大肆摧毀閒置文化空間,而不願給予經費重整活化,台中天外天就是一例,而一般腦殘商業影成就只會一昧地當好萊塢的數鈔巴哈狗,只要有票房,誰還管你戲院躲在鬼樓4樓呢(真不吉利)?

空間氛圍與漫活步調的走向,讓便利商店放了椅子,讓麥當勞改變裝潢的色調,文創講那麼久,電影中心連個鬼都沒看到,連電影院更要敏銳地朝文學、藝術、美學氛圍大步邁進都沒有,我很想知道政府單位撥錢給某些人出國考察,是考出什麼東西來。鑑此,我只好自費出國閒晃一下歐洲戲院(自費命啊﹗據說我研究所出國發表,某國立學校說因為我出國費用「太便宜」而不讓我申請呢),在此與大家分享。

【酒精瀰漫的單廰新興戲院】

對於將享樂,享受美好奉為生活不可或缺元素的歐洲,飲酒作樂即是歐美文化品味生活的要件之一,尤其是從羅馬帝國開始,延展至德國、英國各地的酒吧文化,將咖啡美酒更先於水的歷史從酒精飲料蔓延,至今電影院正傳承傳統英國人對酒精的愛好,讓酒吧成為延續戲院命脈的要角,甚至為此改良戲院的空間配置。

Cinema Bar是近年倫敦新興電影院一致的走向,無論是位於Picadilly Circus新開幕一年多的Picture House Central、London Field去年開張的The Institute of Light、南倫敦隱身在車場的Whirled Cinema、典型的社區型電影院Shortwave Cinema等,都是無酒不歡的電影院,除了位於Picaddilly Circus的Picture House是多廳戲院頂樓附會員派對包廂,其他小電影院都為單廳的小型影院。

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Photo by author, Coco: The Institute of Light

這間光影學院(The Institute of Light)沒有一般電影院座椅彈跳的標準椅,而是自備沙發,在地窖般圓拱磚頭堆砌的建築空間裡,晚間是放映廳,下午則是黑膠唱片販售處。下方照片是晚上才開放的餐廳吧檯空間,整座戲院就這樣一分為二,一邊放映,一邊飲酒美食。

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Photo by author, Coco: The Institute of Light

位於倫敦電影院與戲劇的一級戰區Picadilly Circus,Picture House對於餐點各式飲料的講究,絕對不可能只有薯條可樂,而是不定期推出新餐點,偶爾將菜單製作步驟納入影片節目單的小手冊裡。現場還有各式白酒、紅酒、雞尾酒等可免費試喝、現場調酒。倫敦人對於在酒吧社交當作自然不過的生活部分,因此許多戲院大大發揚了「空間的社交性」,將飲食美酒注入戲院內,Picture House的酒單就叫做Social 一點也不難懂了。http://picture-house-social.com/

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Photo by author, Coco: PH Central

即便是小型影展,現場免費無限量供應Cider或啤酒,都是活動令人驚豔且大大加分的主題喔!The Small Film Festival辦公室位於東倫敦Shoreditch,因此每年9月的影展也在東倫敦舉辦,2016年在Hackney租了整棟的空間,舉辦各式入圍影片的放映,包含紀錄片、短片、MV、動畫等,根據我參加過兩年的經驗,影展贊助合作的酒廠都是源自於倫敦當地的品牌,其二樓(first floor)室內與露天陽台的空間就是酒吧,旁邊的小小隔間才是座談的座位席,以空間而言,社交與酒,真是占了一大部分。

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Photo by author, Coco: The Small Film Festival 2016

下圖左是Everyman Cinema位於Maida Vale的「喝吃社交區」,地板是源自於歐洲的魚骨拼法木質地板,可見相當重視室內裝潢與氛圍營造,特別講求歐洲風格的當代感,這張照片是從吧檯視角拍攝。下圖右是2017年情人節入選為「最佳約會場地的電影院」之一,The Screen on the Green,位在距離北倫敦Angel步行約10分鐘的路程,也是一座單廳戲院,螢幕相當大,院內的佈置裝潢簡單,卻相當有工業風格調。

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Photo by author, Coco: Phoenix Cinema

上圖為北倫敦歷史百年的Phoenix戲院,北倫敦相對於倫敦的東邊或南方,比較沒有藝術氛圍,而電影院也相對少一些,這間戲院目前受到英國樂透的支助持續為社區服務,我想受英國政府金援的戲院,多半都有播映UK Art/ theatre的職責吧。

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Photo by author, Coco: The Book Club

然而倫敦喜愛看電影,不僅僅在電影院裡,許多多功能空間的咖啡廳或餐廳,就備有影片放映器材的專門空間,如上圖這位於Shoreditch 相當知名的The Book Club,幾乎每週末都會有不同的活動,相當受倫敦人歡迎。

順帶一題,每年到了暑期,戶外電影院更是像花朵一樣四處綻放,其中最具知名度的就是The Luna Cinema和由南倫敦發起的Free Film Festival,也就是我第一次策劃國際動畫節目的單位,無論在戲院內外,飲料都是活動必備的法寶,喜歡嘗鮮不同款式的雞尾酒或Cider,或者去膩了一般的咖啡廳,不妨去戲院裡泡一整天,順便看看最新的電影片單吧!

題外話:許多戶外電影院的片單,都是古典電影、黑白數位修復、影史賣座的大片,可想而知看過的觀眾為數不少,但活動舉辦得成功,並不是因為「內容獨家」,而是在戶外星空與一群陌生或朋友相約志同道合的觀影人,隨性或坐或臥的欣賞電影,尤其是在古堡播映,或在公園看侏儸紀,都是在家線上收看無法享受的「空間分享感」,而且票價也不便宜(2016年一票15英鎊起),甚至超越一般商業影城的標準價錢。有些「專業戶外電影觀影人」會自備毛毯、枕頭、海灘坐椅、零食飲料與晚餐…真的是有經驗XD

「酒吧電影院」因為人際互動的社交性而成為新興影院的走向,受到當地人的喜愛,尤其文人雅士認為Odeon或Vue一般商業連鎖戲院太不時尚,背棄可樂爆米花,擁抱典雅的咖啡與酒精,才是倫敦藝文界人士渴求的社交場所。因此,即便在數位狂潮之中,傳承飲酒作樂的文化,源於本質,發揚在地文化,是戲院空間要做的事。

映前的敘舊社交,映後對影片的隨意喜惡分享,實質的人際交談,讓這些單廳戲院在我每每造訪實,都高朋滿座,院內吵雜歡樂無窮。影院不在大,而在空間的轉向。

Japan KaWaIi(cute) Culture – shopping part.

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Baby Disney main characters key rings in Tokyo Ocean Disney.

Since I have been living in Taiwan for most of my life, Hello Kitty or cartoon contents are surrounded in shopping areas and kids’ stuffs. just found why Hello Kitty is extremely popular in Japan and Taiwan, coz these 2 countries are fond of “cute”(Japanese: Ka

After visiting Europe, the fashion design and shopping district are much more focus on cutting, texture, and pattern, u might not find something “cute” but more likely fit your body.  just found why Hello Kitty is extremely popular in Japan and Taiwan, coz these 2 countries are fond of “cute”(Japanese: Ka Wa Ii)

Hello Kitty is extremely popular in Japan and Taiwan, it is a icon for “cute”(Japanese: Ka wa ii), and these 2 countries just right have high demond of it. Here I selected some of my Tokyo visiting photos that presents how Japanese require Cute in their life.

 

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The Ghibli Museum diestion. Studio Ghibli actually have lots of creepy ghostly characters in films, but the cutest and looks like the less harmful animal, Totoro was the one being the Studio’s symbol.

Studio Ghibli actually have lots of creepy ghostly characters in films, but the cutest and looks like the less harmful animal, Totoro was the one being the Studio’s symbol.

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Totoro and dust bunnies are welcoming visitors in front of Ghibli Museum.

One of indication industry in Japan in animation, and the most worldwide famous one is Studio Ghibli; however, there are much more amazing animation directors from Japan have been creating super power influence, why Ghibli is the most famous one?

I guess one of the reasons could be it contains lots of cute elements and animals to lead children to get into Studio Ghibli’s world.

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A doggy bus was running around Tokyo central.

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Ka Wa Ii yellow ducks are surrounded the mini swimming pool.

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A plant could be cute like this! Hello! hello kitty again!

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Pink! Lace! Tie! The 3 essential elements for cute.

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By the way, Japanese girl seems like extremely addict to Disney princess series. There is a lot of shops design elegant which is very hard to resist princess stationery !

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Even those evil characters in Disney princess series could have cute version in Japan.

Those key rings actually are monitor wipes, plus a pratical function of cuties, no wonder Asian women applaud Japan design and acclaim Japan is the shopping heaven!

Contemporary Independent Cinema in London – Institute of Light 東倫敦當代新興獨立電影院 – 幻燈學院

How London brews art? From my point of view, Londoner loves film! Londoner appreciates vintage stuff, contemporary arts and real coffee and food!

If you could create a space that makes Londoner chill out, like a relax lounge they can enjoy arty atmosphere plus a easy social network environment, with really good flatwhite and beer, you got them! With real Jazz in vinyl format? they would love it from their true heart!

2016 has a great news for music industry that vinyl record sale has outstripped to digital download. As David Bowie passed away created his vinyl album on the top list of sale. While young generation discovered physical format music is a better choice to digital ones, it is easier to buy record as the vinyl record shops has grown in numbers, also timers could be cheap with contemporary design which looks very tempted. All these reasons brought this music original tangible form in digital era.

Cinema, also the original space for film, is the unbeatable, best presentation form to experience the charm of film. The Institute of Light is an emergence art house that mixed-type of vintage and contemporary film where situated in London Field, Hackney.

London Field is a new place for someone want to enjoy real good food and coffee in quiet area. Institute of Light(IOL) just a stone throw distance to London field overground. It provides Mediteranean food, the reataurant contains a bar, as well as  a book and vinyl record shop.

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Basically this single screen cinema have 2 parts of space, one is screening room, the arch underneath train station with brick walls, my favoriate British interio artitechture. In the afternoon, they put all of the vinyl record collection in screening room for sale, at night time, visitors could only entry Institute Of Light from the other side.

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a mini office beside of screening room, they put those vinyl record here. Jazz music is their main colletion, it would be nice if they play the feature music in the afternoon to highlight the album.

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On the otherside, its a multi-cultural space, with delight food, cafe, bar and book. Here would be superb to have a reuion with friends and family, but read book…maybe in the afternoon as the light won’t be enough.

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The cinema programme is focus on independent/ art/ drama film, you can not find a Hollywood blockbuster movie be shown here. Sometimes they arrange film event to screen class movie with discussion. The curation attract those Londoner who persude quality lifestyle and find the literacy from film.

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Film highlighting light box on the entry side.

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The design is minimalism style that used throught the official website and information light box. Jazz music, Mediteranean cuisine and those film selection all have the same cultural geographic background. You could Institute of Light was created with carefully curation which is the most attrative part.

They haven’t have provide membership for cinema-goers. Same as Shortwave Cinema which is a bit similar to Institute of Light, a bar, and a single screen cinema.

Simple, focus on cinema space and film selection. The spirit is similar to vinyl record, we as film buffs look forward to seeing this type of mini cinema emergence everywhere to contribute the local community, serve those movie-goers who understand and appreciate the film value.

【英倫仕紳的不屈與格調 21世紀初獨立戲院的新興窩藏點】

倫敦近幾年不屑票房低落、歐洲經濟低靡、Netflix等線上電影院的現實因素,尤其脫歐議題讓英鎊慘跌,房價卻不停漲價的景況,還是紛紛出現了小型單廳的酒吧戲院。這樣的小戲院不只是分佈在Shoreditch藝術氛圍強烈的東倫敦,也不只出沒在”新興藝術區”的Camberwell,倫敦市中心的King’s Cross王十字中央車站也有這樣的電影院據點。其中關鍵原因,以空間設計而言,這些小型單廳酒吧戲院傳成了英國對於酒吧做為社交重心的文化,因此在這邊你想要有廉價的爆米花與可樂搭配組合,你還是去Odeon吧。另一原因,散落在倫敦各地的獨立戲院,走過歷史的百年戲院多半都受到英國政府Lottory等單位的補助,另外,對於新興戲院,政府也接受新提案做輔導與補助。

歐洲是一個,對於美好生活的享受相當執著的地方,也從未停止追求。點綴生活的甜點咖啡,音樂視覺藝術,只要符合歐洲人心中品味格調,品牌概念讓他們點頭贊同,

點綴生活的甜點咖啡,音樂視覺藝術,只要符合歐洲人心中品味格調,品牌概念讓他們點頭贊同,這門生意就成功一半了。

位在東倫敦London Field的London Institute of Light(幻燈學院)是近年來倫敦新興電影院的典型例子,她除了滿足英國人兩千年來對品酒的高度要求,當然了,酒吧的存在不僅是因為古老時期歐洲人的飲品僅有酒與咖啡,更是當地人社交的主要場所,也將黑膠唱片、藝術型電影、地中海料理,所謂的吃喝玩樂全部濃縮到這間單廳電影院。

2016新開張的幻燈學院,從London Field出口右轉,步行5分鐘就抵達了後門,下午身為放映廳的屏幕背板開著,學院內收藏的黑膠唱片一箱箱陳列開來,成了每天臨時性的午後黑膠爵士樂市集。2016年也是黑膠唱片閃爍發光的一年,在數位音樂下載與Ipod倏地流行全球,卡帶、CD、黑膠唱片逐漸沒落,不過歐洲仍隨處可見獨立古典唱片行、二手舊市集、現代音樂專賣店還是販售黑膠唱片至今,讓對對音質有高度要求的樂迷,還是有機會購買這種大大的,可觸碰的,美麗的黑膠唱片。

2016年也是黑膠唱片閃爍發光的一年。自從數位音樂下載與Ipod倏地流行攻陷全球,卡帶、CD、黑膠唱片逐漸沒落,不過歐洲仍隨處可見獨立古典唱片行、二手舊市集、現代音樂專賣店還是販售黑膠唱片至今,讓對對音質有高度要求的樂迷,還是有機會購買這種大大的,可觸碰的,美麗的黑膠唱片。再者,2016有許多元老級的歌手星星殞落,這些著長大的樂迷,仍然購買David Bowie的黑膠唱片,甚至,黑膠也已成為,高級的贈禮選項之一。另外,古老城市的現代消費者,對vintage(古典、懷舊、早期)的物品情有獨鍾,反而,現在有許多現代極簡風格的Timer紛紛被設計出來,以滿足現有市場對黑膠唱片的需求。

影院的空間很簡單,一邊是沒有經典的戲院彈跳椅,而是沙發椅觀眾席的放映室,另一邊就是社交區,吧檯、廚房、餐廳與黑膠唱片封面展示區。建築是石磚砌成的圓拱地窖,就在overground的下方,很有歷史時代感。

2017年3月8日,International Woman’s Day(全球女人節)到訪,當晚播映獨立影片:Nostalgia of Light 以及奧斯卡最佳電影Moonlight(中文片名:月光男孩),恰好這間幻燈學院播映了兩部片名都與Light的影片。幻燈學院每個月也有兩到三場的活動,可能是特別的影片放映,導演QA或小型藝術演展。

目前沒有會員制,顯而易見地想要建立一間懷舊與純藝術性質的電影院,選片策畫中沒有好萊塢blockbuster也沒有英雄系列,目標是白領階級對生活品味相當講就的消費者,食物與飲品的價位有點驚人(倫敦物價高)中的驚人(更高),在倫敦有許多受到政府資助的獨立戲院,也播映藝術電影與國家音樂廳現場轉播,單憑選片想要做出市場區隔或許還不夠,其中書籍的選納,也還沒有明顯的被展示出來,若是想偶爾依靠舉辦活動,或出租場地收取租金過活,對電影院高度藝術的標竿恐怕會有動搖的可能。

在數位時代,人人可免費下載電影的媒體環境,要經營一間實體電影院相當不易,不過英國人對社交的需求,以及視覺藝術作品需要舞台的事實,我們感激電影院的出資者以及愛做夢的人,讓現代城市還有新興的獨立電影院可以逛逛,呼吸充滿藝文的空氣。

 

 

 


Reference

Record sales: vinyl hits 25-year high – The Guardian (2017)

https://www.theguardian.com/music/2017/jan/03/record-sales-vinyl-hits-25-year-high-and-outstrips-streaming

 

Institute of Light official website

https://www.the-institute-of-light.com/

Maps and the 20th Century: Down to Earth

20170207_133521.jpgTarget Berlin, 1943. Copyright British Library.

  • Dimensions: 2663 × 3543
  • File size: 9.0 MB

Google maps probably is the most worldwide famous and active digital map for modern people; however, there is a world map exit before the satellite invention.

As Londoners rely on the oldest tube system in the world, they would absolutely need a map, have you ever doubt about why the tube map drawing with unreal distance which composes by only horizontal straight line, vertical, diagonal and right angel?

or how would you image the war escape route on map?

What would map draw your surreal dream with mythology?

Do you know there is a “fiction real map” such as Winnie-the-Pooh and The lord of the Ring(2001)?

Luckily, they are all shown in the same exhibition: Maps and the 20th century: Drawing the Line, it curated by Tonharper, Jim Caruth and Magdalena Peszko. It is a retrospect time travel back to 20th century for a world map. You will be put on a certain position to view the world, a dream surreal wonderland and probably get lost yourself in a map if you try to!

This typical British Empire ideology exhibition puts a hand-drawing large size “The Navy League map”(1901) in the very begging to welcome all the visitors.

1The Navy league map.jpg

Picture from> https://www.bl.uk/collection-items/navy-league-map

20th century was a critic changing time for human, we experienced 2 world wars, Spanish civil war, technology invention, landing to Moon, the movement vehicles became more customize and popular, all of these reasons transformed and developed the mapping skills and the approach forms.

The exhibition divide in 5 parts: Mapping a new World, Mapping War, Mapping Peace, Mapping the Market and Mapping the Future.

More and more people become a traveler as cross-continent and world-movement vehicles became cheaper, have a fair knowledge of it, postcard became a cost-effective souvenirs, map postcard is a new product from 20th century.

We got the first conclusion: Pollution and postcards, the concept of world which we have captured pitcture of our planet from outer space are the main projects from 20th century.

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SimCity(1989) is a person computer game to construct your own city, it also shows people started to have more leisure time with new toy, such as digital game.

DisneyLand(1968) as a “Hyperreal” labelled by French cutural theorist Jean Baudrillard, he critics that DisneyLand (as you can see there is FantasyLand, TomorrowLand, AdvantureLand on the map) is a completely represent the essence of America, it also invented the distinction between illusion and reality, DisneyLand makes the wonderland more real than reality.

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Image from:

1968 Disneyland Souvenir Poster Map

The Theme park is not a place be established from fantastic animation but lead audience practically go into their imagination and dream to escape the real life.

In the Mapping War section, The Melancholy of Departure(1916) by Giorgio de Chirico was shown there on a corner quietly, but basically express how sadness and depressed while the world war started to begin.

The Melancholy of Departure 1916 by Giorgio de Chirico 1888-1978

More detail about Giorgio de Chirico, visit Tate website: http://www.tate.org.uk/art/artworks/de-chirico-the-melancholy-of-departure-t02309

Some Utopia and mythical land idea generated from this era , one of the absolutely beautiful dreaming map: A mapped of Fairyland(1918) shows the previous Europe antique art style on painting that revel how people desire peace after war.

https://www.loc.gov/resource/g9930.ct001818/

After the war, this world only become more mess, even faster movement, more immigration, more economic flow; meanwhile we need more analysis methods to calculate and record this changing world. Since early 20th century there

Since early 20th century there has choropleth maps to support political arguments, then there is more and more statistical infography maps be created, from Carribbean Free Trade to bird imigration map, from  Liver Pool city map for promotion by Beatle’s reputation to Casablanca(1942), from Los Angeles personal income(1966) to London original sketch for London tube map(1931). The world seems like much more mathmatical than geographical.

Harry-Beck-tube-map-sketch-Victoria-and-Albert-Museum-copyright-TfL.jpgEarly London tube map sketch(1931) by Harry Beck tube map sketch

  • Dimensions: 4879 × 3838
  • File size: 5.4 MB

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Take a guess, where is it on the map? Answer is here:

http://www.citylab.com/design/2015/10/a-map-of-middle-earth-annotated-by-jrr-tolkien/412105/

We can escape from our realistic life, draw our dream on the map, can we escape or vanish on a map? A New Reason for Movement(1959) give you another alternative way to do so.

Previous spaces with several specific aspects points of views constract with time, a knowledgible history, cultural critic and beatifully art aesthetic map show

Map is a perspective to view the over all, it takes the “god angle”, but this Maps exhibition will put us in a worldwide context through past to contemporary, we could conprehansive how this world became like nowadays and understanding ourselves where are we standing in the vertical horizon structure of world.

#BLMaps